Poezibao

(Notes sur la création) Emmanuel Hocquard, Le cours de Pise

Les éditions P.O.L. publient Le cours de Pise d’Emmanuel Hocquard,
dans une édition établie par David Lespiau.




« Anecdote 1. Quand j'avais huit ans, nous avions à la maison un pot de fleurs contenant une plante dont je ne connais pas le nom savant,
mais qu'on appelait fleurs de cire. Cette plante avait la particularité de ne fleurir qu'une fois tous les sept ans. Je ne l'ai vue qu'une seule fois en fleurs. C'étaient des fleurs rose très pâle qui avaient, effectivement, l'aspect et la consistance au toucher de la cire. Le principal intérêt de cette anecdote est qu'elle met en évidence la manière qu'a le langage ordinaire de rendre compte de la mesure du temps, de façon anthropomorphique. C'est-à-dire de rapporter une mesure "humaine" du temps à un végétal. Ce qui est très bizarre, quand on y pense. Dire que j'avais huit ans quand j'ai vu fleurir cette plante qui ne fleurit que tous les sept ans signifie qu'elle avait dû avoir sa précédente floraison quand j'avais un an et qu'elle ne refleurirait que sept ans plus tard, quand j'aurais eu quinze ans. Ça ne dit strictement rien d'autre.

Anecdote 2. À la même époque, on trouvait chez les marchands de jouets des fleurs japonaises en boîtes. C'étaient de petites boîtes rondes en carton, de la taille des boîtes de cachous, mais un petit peu plus profondes. Ces boîtes contenaient des boulettes de papier grisâtres, toutes à peu près identiques. Le jeu consistait à en jeter quelques-unes dans une assiette creuse ou un bol remplis d'eau. Les boulettes, qui flottaient à la surface de l'eau, mettaient un certain temps à s'ouvrir. Les unes s'ouvraient plus lentement que les autres. Au terme du processus, les boulettes grises se trouvaient transformées en fleurs de papier plates qui étalaient leurs pétales, peints de différentes couleurs et de motifs délicats, à la surface de l'eau.
J'ai souvent comparé à ces fleurs japonaises le processus par lequel une idée passe de l'état de boulette grise à celui de fleur en papier dépliée. Écrire implique un déploiement du même ordre. On pourrait ici forger le néologisme dépliement, ou parler d'explication au sens où Mallarmé parlait d'expliquer (déplier, ouvrir) un éventail. Quand je vous dis que vous savez tous écrire, c'est cela que je veux dire. Toutes vos boulettes grises sont là, qui ne demandent qu'à s'ouvrir. Mais pour cela il faut du temps, votre temps, de la concentration, de la vigilance et le plus de précision possible. »

Emmanuel Hocquard, Le cours de Pise, P.O.L., 2018, 624 p., 23,90€, p.150 et 151.

 

(Note de lecture) Valérie Rouzeau, Sens averse, par Jacques Morin et par France Burghelle-Rey (deux lectures)

 

Poezibao publie aujourd’hui deux notes de lecture du livre de Valérie Rousseau, Sens averse. La première est de Jacques Morin, la seconde de France Burghelle-Rey.





Lorsqu’on commence à lire Valérie Rouzeau, c’est immédiat, deux sentiments s’imposent : la surprise et le charme. La surprise, parce que n’importe lequel de la centaine de poèmes qu’elle propose dans ce nouveau volume (après Vrouz, il y a six ans, chez le même éditeur) développe une structure originale. Avec des retours, des refrains, des reprises, des répétitions, ainsi qu’il est indiqué entre parenthèses après le titre, ce qui confère au texte un balancement et un aspect mélodique et virevoltant qui est propre à son écriture. On est tout proche de la chanson, de la ritournelle, mais sans le soulignement de la musique, sonorités et formes suffisent. Le poème tourne et revient sur lui-même comme dans une danse de mots. Règne la légèreté dans cette poésie où l’air souffle et les airs se répondent. Et il y a toujours un côté pétillant, clin d’œil, dans chaque vers où le jeu de mots est de mise, enté d’allusions ou de références, ce qui donne sans cesse à la lecture deux niveaux : ce qui est dit linéairement d’un côté et ce qu’on peut saisir de l’autre dans les connotations et perspectives possibles et le maillage des vers. Ce déchiffrage à double entente est unique et confère à la poésie de Valérie Rouzeau tout son sel. Et ce qui en fait également tout le charme.
Parmi les thèmes principaux, il y aurait à étudier ce qui constitue un bestiaire dans sa poétique. Un éventail animal très large allant des batraciens aux oiseaux, chiens et chats, veau, vache cochon, et tortue, abeille, araignée… La nourriture aussi très présente, cette fois. Ensuite, l’inspiration naît toujours d’un film, d’une phrase lue, d’une chanson entendue, ou encore d’une anecdote vécue, et plus cette dernière est simple, quotidienne et banale, mieux Valérie Rouzeau sait construire son poème avec maîtrise et tension. D’autant qu’elle a élu un format court, la plupart de ses textes hésitant entre la longueur du dizain et celle du sonnet. Et pour le coup, elle invente une nouvelle forme qu’elle nomme poèmes glanés en empruntant des vers à d’autres poètes qu’elle désigne en index, la difficulté étant de rendre harmonieux et fluide ce qui pouvait sembler disparate et dispersé. Enfin ce qui apparaît nouveau dans ce recueil, c’est l’importance accordée à l’avancée du temps et la soudaine gravité de l’âge, revêtant doucement d’une certaine mélancolie les textes. On demeure dans les sautillements d’une plume experte et ludique, entre paronomase et comptine, mais des idées plus sombres viennent envahir les lignes de flottaison du texte en douce marée noire.

Jacques Morin

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Le titre du nouveau recueil de Valérie Rouzeau rappelle au lecteur combien la poète aime travailler la langue. Elle le fait comme une paysanne travaille la terre et aime, d'ailleurs, porter des sortes de godillots, « godasses vintage ». Il faut alors ouvrir le livre pour en découvrir sa belle et originale matière et les techniques qui la renouvellent. Valérie Rouzeau y est ici virtuose de nouveau.

Pas de sommaire : ni titres ni incipit. Excepté celui de « Qu'on vive » qui apparaît à la suite des douze premiers textes. Le poème liminaire aborde des sujets privilégiés par l'auteure. La musique et la danse qui n'empêchent pas une allusion à la finitude :

Alors on danse en ma cuisine
en ma cuisine alors on chante…

Elle n’entend rien aux bruits des hommes
Mais sait qu’on va tous y passer

La chanson en particulier sera « par plaisir », comme il est dit dans des notes personnelles, convoquée au fil des pages. Il faut rappeler que Valérie Rouzeau a écrit pour le groupe Indochine qui a chanté ses textes.

L'anaphore en anglais « what's in a bird » du chanteur Alain Bashung, dans cette langue de finesse et de musique qu'elle sait si bien traduire, confirme ses choix en exprimant l'horreur que représente la cour des miracles d'objets qui polluent la mer et font mourir les oiseaux. L'engagement fort de la poète ne peut attendre et s'exprime ainsi au tout début de son travail.

Le troisième texte peut surprendre car il est bref et composé de sept vers courts également. Mais il faut dire que le recueil contient des poèmes de longueur variée allant du quinzain à la strophe, fréquente et sans division, de quatorze vers utilisée déjà dans Vrouz en 2012. Sans doute pour sa complétude, son rythme et sa nostalgie du sonnet classique.

Puis vient le thème de l'enfance et celui aussi de la nature qui lui est concomitant avec leur magie habituelle. De l'enfance justement Valérie n'hésite pas à en avoir l'esprit surréaliste :

Voyons voir s’il est possible de lancer
Dans l’espace l’infini un petit cochon ailé
Qui ne serait ni un missile ni une tirelire

Pincez bien les groseilles puis écoutez-les

Son amour de la nature s'étend au cosmos et notamment la Terre avec un grand « T » :

J’ai déjà dit cela et puis que j’aime aussi
De la Terre l’atmosphère  

Et une certaine tendresse apporte sa part de lyrisme que rythment les jeux sur les sons (« Kayak…Y a qu’à ! » ou « L’heureux cas d’eurêka ») au cœur de poèmes dans lesquels l'absence de ponctuation et des vers souvent amples favorisent le chant. Un vocabulaire varié et familier où se mêlent des expressions anglaises ajoute un charme rare à cette expression jubilatoire du langage.

Après cette grande richesse des premiers textes, le lecteur pénètre au cœur de poèmes qui sont autant de petits tableaux de vie bouillant d'idées à la fois quotidiennes et chaleureuses. Il se réjouit à l'instar de la narratrice de l'existence de nourritures diverses comme l'« œuf en meurette » du terroir ou les « rutabagas » de la guerre. C'est ainsi que l'humour propre à la poète se fait peu à peu sentir par allusion ; il est représenté par le terme de « limerick », poème humoristique, à l’origine en anglais, de cinq vers rimés. Par la suite le lecteur peut rire franchement au vu de certains vers et grâce encore à d'habiles jeux de sons comme dans cette chute :

Donc nous ne rirons plus au bois tous coucous et queues
   coupées /

Le monde de Valérie Rouzeau est un art à lui seul, tel que peut l'être le monde du cirque. Avec ses fantaisies, ses personnages, ses animaux nouveaux (hirondiles et crocodelles) et sa musique :

Volières pianistes fossiles et et et cygne final
Succède aux poules et coqs après le lion royal

Là, tout, pour elle, est objet à réinterprétation comme « Le petit chat n'est pas mort », phrase sur laquelle elle brode joliment. Sur, par exemple aussi, des expressions appartenant au monde télévisé. Si V. Rouzeau appartient à sa terre, elle appartient aussi à la société actuelle mais telle « cette gamine sans numéro de sécu sans carte bleue ». L'emploi de calembours, néologismes, qui privilégient souvent assonances et allitérations, contribue à l'enchantement de cet univers par leur son et leur sens : « En queutant à la caisse du carrefour dit city ».

Mais la poète n'oublie pas la grandeur de sa mission qui est « sublime » comme le disait Musset et peut atteindre son acmé dans une sorte de « versets » :

L’arbre noir magnifique givré toutes ses feuilles envolées
   pourries depuis le temps qu’il reste là poteau dans la
   nuit d’hiver longue où je m’appuie ma plante aussi

La suite du recueil est une répétition autant des techniques que des thèmes choisis par son auteure ce qui expliquerait le sous-titre entre parenthèses. Autant de variations sur de mêmes thèmes. Valérie Rouzeau, en effet, aime la musique : « J’aime aller dans la rue avec en tête un chant » ; elle est elle-même musicienne : « Écoute s’il pleut écoute ma chanson ».

Il reste encore de belles découvertes à faire comme le « poème glané 3 ». Celui-ci rassemble des alexandrins d'écrivains célèbres dans une pièce de vers - autant de tesselles dans une mosaïque heureuse - qu'on appelle « centon », véritable dialogue intertextuel écrit « par plaisir » là aussi.

Ou plus loin, à la fin de l'opus, prouvant qu'il n'y a pas que légèreté dans les choix de cette voix et témoignant d'un certain lyrisme tragique, ce beau distique sur la finitude :

Combien d’étés encore jusqu’à mourir déjà
Combien d’hivers jusqu’à partir enfin

Ce dernier recueil montre une fois encore à quel point la poète est non seulement en prise directe avec l'actualité mais aussi présente à l'ensemble du monde, dans un rêve poétique plus éveillé qu'endormi. Présence notamment fusionnelle avec la nature où elle veut trouver le double d'elle-même :

Je voudrais me trouver face à face un beau jour
avec mon double d’écailles de plumes de fourrure
Me rencontrer carpe ou truite me retrouver coucou

Comme l'enfant qui découvre peu à peu la magie des mots, Valérie Rouzeau, les redécouvre à son tour en les recréant et balbutie un langage unique, propre à elle.

L'humour, la poésie du quotidien, avec leur simplicité et leur originalité, sont au rendez-vous d'une écriture « loin du champ clos des laboratoires formalistes et des affèteries post-modernes », comme la requiert le règlement du prestigieux Prix Ganzo qu'elle a obtenu en 2015, et lui permettent de toucher un large public.

France Burghelle Rey

Valérie Rouzeau, Sens averse (répétitions), La Table ronde, 2018, 144 p., 16€.

 

(Anthologie permanente) Jean-Claude Pirotte, Ajoie

 

La collection Poésie/Gallimard (dont on rappelle qu’elle est désormais dirigée par Jean-Pierre Siméon) publie un volume Pirotte, avec Ajoie, précédé de Passage des ombres et de Cette âme perdue, avec une préface de Sylvie Doizelet.





                                    (André Pieyre de Mandiargues)

le premier accord d’un trio d’Arensky
dans le si lourd crépuscule douloureux
où meurent et renaissent les incendies
ce soir encore tu l’entends alors qu’
il vient une dame éclatante et funèbre
ta voisine oubliée ta promise ardente
et glaciale Eurydice prétendais-tu
dans les éclats de rires et les cris de bêtes
Orphée, toi donc ? Indigne du violoncelle
et des sanglots de la fidèle captive
tu erres maudit dans les années sordides

/

si je n'ai rien perdu
rien n'aurai-je gagné
à répéter l'indu
l'on se mange le nez

mon père m'a donné
ce que m'a pris ma mère
avant que d'être né
j'aurai goûté l'amer

picon de l'agonie
je serai mort souvent
sans souci d'harmonie
et la chemise au vent

que dire sinon couac
il ne fait pas beau temps
dans l'enfer des familles
et le feu est au lac

/

si mon regard s'aventure
jusqu'au sommet de la crête
voici venir Sylvie et Gérard
sur le chemin bariolé d'herbes

puis un chien de berger fureteur
et les cyclistes de passage
grâce au chemin de halage
en roue libre comme Cingria

un jeune couple marche au pas
peut-être a-t-il lu le récit
de la Guerre de la Vache
à l'ombre des murs de Poilvache

un moine copiste a frémi
devant les serfs aux doigts tranchés
mais au tribunal domestique la vache fut acquittée

nous piétinons nos souvenirs
au lieu d'observer l'eau lente
et ses fidèles images
d'une vie entre d'autres rives

Jean-Claude Pirotte, Ajoie, précédé de Passage des ombres et de Cette âme perdue, avec une préface de Sylvie Doizelet, Poésie / Gallimard, n°529, 2018, 43é p., 7,30€, pp. 92, 193 et 297. (fiche du livre)

Jean-Claude Pirotte dans Poezibao :
bio-bibliographie courte, bio-bibliographie commentée par les textes, Hollande (note de lecture de B. Moreau), Passage des ombres (parution), extraits 1, Revermont, extrait 1, le prix Kowalski, extrait 2 ; Le Promenoir magique (par F. Trocmé), extrait 3, ext. 4, ext. 5, prix Apollinaire 2011, ext. 6, ext 7, sa mort, "Gens sérieux s’abstenir", par Jacques Morin, (anthologie permanente) Jean-Claude Pirotte

 

(Notes sur la création) Christiane Veschambre, Ecrire. Un caractère

 

ÉCRIRE ne veut pas travailler.
Écrire nous travaille.

Écrire refuse d'aller au travail, de se mettre au travail. Il ne veut pas s'asseoir à son bureau, remplir ses heures, et boire un whisky sa journée faite. Écrire voudrait ne rien foutre, que ce qu'il a envie de faire, quand il exige de le faire. On voit bien par là que c'est un enfant. Un petit anarchiste qui ne veut d'aucune contrainte — que les siennes. Et c'est sa première contrainte : ne rien faire. Tant qu'il le peut, celui qui abrite Écrire (enfin, c'est plutôt qu'Écrire s'est installé chez lui) contourne cette exigence première : il répond à d'urgentes tâches, se met à ranger, nettoyer, ou il prépare de la nourriture, ou encore il répare.
Il ne sait pas qu'il obéit ainsi à Écrire. Qui aime bien les gestes pratiques qui visent à ne pas lui ouvrir la porte, le repousser, le tenir à bonne distance et ce faisant préparent son accueil, dégagent l'espace de son attente. Écrire aime bien qu'on s'occupe. À certaines occupations. Pendant ce temps-là, Écrire invente son travail.

Christiane Veschambre, Écrire. Un caractère. Editions Isabelle Sauvage, 2018, 80 p., 14€
Fiche du livre sur le site de l’éditeur, avec une belle note de présentation.

 

(Note de lecture) Françoise Clédat, Ils s’avancèrent vers les villes, par Ludovic Degroote

 

L’engagement est un thème traditionnel de la littérature et de la poésie, dont l’objet peut être divers : politique, idéologique, écologique par exemple, voire anti-engagement, mais aussi poétique : dans ce cas-là, la prévalence est donnée à une réflexion sur ce que sont ou peuvent ou doivent la poésie et le poème : cette distance critique fait miroir ou mise en abyme avec le poème lui-même. Il y a de tout cela dans le livre de Françoise Clédat, dont il faut commencer par expliquer la structure et le propos qui sont exposés dans un « prologue » en vers (pp. 20 à 23).

Vingt entrées correspondent aux vingt lettres de l’alphabet phénicien dont sont issus les alphabets grecs et romains, autant dire la matière de notre écriture (« il est mère / Très vieille mère des alphabets du monde » p. 17), l’auteure associe chacune d’elle à une ville dont l’initiale débute par une de ces vingt lettres, classées selon l’ordre alphabétique ; par exemple : à Aleph (lettre a), correspond Alep, à ‘Ayin (lettre o) Oradour, à Shin (lettre s) Sébastopol / Stalingrad / Sarajevo. Autant de villes martyres dont la destruction physique ou humaine a été accomplie par la barbarie des hommes – au sens sexué du mot puisque c’est la domination masculine qui en est responsable, ainsi qu’il faut entendre le pronom du titre. « Chaque nom de ville détruite est mot de la fragilité humaine / Mot lieu qui désarme / Nous devant désarmés » (p. 22). Voilà pour le « dispositif » (p. 25) qui forme le corps du livre et illustre son sous-titre, « Désordre alphabétique ».

Chaque entrée se déroule en deux temps. Le premier s’ouvre par un poème qui interroge autant qu’il se laisse entraîner par les valeurs graphiques ou sonores de la lettre, en  préfigurant ses résonances avec la ville dont il est question ; ainsi, pour la lettre Pe ou Phe (notre p), à quoi est associée Phnom Penh : « P ou Ph soufle où / Peine / Plume et pen s’é- / Poumone » (p. 215) ; pour la lettre o, ‘Ayin, consacrée au massacre d’Oradour : « Œil /   comme bouche /    troué »  (1) (p. 195). Comme on le devine à travers ces premiers vers, le poème peut s’articuler à la lettre concernée qui démarre le vers ; il arrive que le poème entier soit établi à partir de cette lettre. Celui-ci est donc centré autour de la ville et peut en rappeler des éléments historiques, lorsque sa puissance ou sa splendeur étaient célèbres, ou le justifient : c’est le cas de Nankin (« Née Yecheng 495 av. J-C. delta du fleuve Yang-Tsé - / Nombreuses fois détruite – prendre / Nom / Nanjing (Nankin) quand /   reconstruite 1368 » p. 168), pas celui de Fukushima. Le texte se développe en introduisant la ou les causes de ses malheurs et le récit de son martyre, dont il détaille parfois les horreurs en les intégrant au poème, soit à travers des citations de témoins (l’interrogateur d’un camp dans la partie consacrée à Phnom Penh) ou d’auteurs (Tolstoï pour le siège de Stalingrad), soit par les vers de l’auteur comme dans l’évocation des crimes d’Oradour : « Deux enfants enlacés / Un enfant assis tête penchée / Petits restes dans voiture d’enfant / Consumés / Certains démembrés / Crânes jambes bras thorax / Petit pied dans un soulier / Jonchant le sol ou pêle-mêle hâtivement / Jetés dans fosses l’ / Odeur ». On le voit dans cet extrait, Françoise Clédat peut tordre, casser, rompre le vers, la syntaxe, voire le mot, afin de souligner cette violence innommable. Qu’importe que le mouvement soit descriptif, narratif ou plutôt méditatif, le livre interroge l’écriture du poème, et la manière dont  la langue, bâtie avec cet alphabet, est à même de dénoncer la destruction de ces villes et populations innocentes par des meurtriers de même alphabet. Que le lyrisme domine, certes, d’une façon parfois démonstrative parce qu’elle s’adosse à des éléments rhétoriques, mais ce lyrisme ne se laisse pas emporter : contenu par l’interrogation sur la place et la langue poétiques, il est une « Parole qui désordre » (p. 223).

« Narration des faits éloigne-t-elle poésie de son fait  (...) Narration en poésie est-elle / Négociation d’insoutenable » se demande l’auteure dans un poème construit sur l’anaphore du mot « Narration ». Question qui unit au premier le deuxième temps. Car à cette déflagration de l’inhumanité – volontaire chez Pol Pot ou à Hiroshima, conséquence des certitudes ou de la vanité des hommes pour Fukushima – suivent plusieurs poèmes qui sont d’une autre écriture et d’un autre registre, et qui font contrepoint. On y retrouve des éléments plus intimes, probablement autobiographiques, touchant à la vie quotidienne – la solitude et le retrait, une maison à l’écart, les chats, la présence des morts (« mes morts si légers » p. 212), la place de la sexualité et du corps (« Sécrétrice la capacité du corps est générosité » p. 302), celle du féminin, l’amour comme pendant et promesse. Quand il s’agit de vers, ils sont courts, organisés de façon libre, avec une disposition plus éclatée, tendant à une compréhension moins immédiate, parce que ce n’est plus le narratif ou le descriptif qui priment, mais le dire, au sens de l’ineffable considéré comme un centre historique de la poésie. Lorsqu’il s’agit de prose, ce peut être un mini-récit, comme cette solitude dans un café animé ou l’évocation de sentiments mêlés d’amitié et de compassion pour les chats, dont on mesure alors l’image de paix et de conciliation que ces animaux représentent. « Etre à chaque instant de chaque jour distraite des occupations de vivre et dans le flottement de cette distraction se sentir paradoxalement ajustée à la nudité de la vie (...) » (p. 69) : on le voit, cette forme d’apaisement de la vie individuelle, en retrait des villes, déchargée de l’Histoire, peut mener à une forme de sérénité, malgré ses incomplétudes. « Rien ne reste / sauf ce reste / où tout demeure » (p. 266) : trois vers simples et denses.

Ces multiples formes de l’engagement donnent à ce livre singulier une force et, on voudrait le croire en tant que vivant, une certaine confiance, comme Jéricho aurait pu le symboliser si la haine n’était passée par là : « Imaginaire de la guerre / Inventant /    origine vraie à historiquement faux/   Devenu historiquement vrai //    Préfiguration des génocides /   au lieu réel de métissage et de paix » (p. 115). Une double table des matières semble aller dans ce sens puisqu’on y trouve l’équivalent de ces deux temps : « Les villes » avec une indexation par lettre qui renvoie aux pages de barbarie et « La vie belle » avec une indexation qui correspond au deuxième temps. A la fin de la partie concernant Phnom Penh, après une série de réflexions interrogeant la place de la poésie et qui se closent par la citation d’actes inhumains que rapporte l’interrogateur d’un camp, Françoise Clédat ajoute entre parenthèses et dans un corps typographique réduit, comme un aveu d’impuissance : « (je n’ai pas de réponse à ce que je suis en train de faire) » : il me semble que son livre lui nous en propose une – annoncée dès le prologue (pp. 21 et 23) : « Ne pas oublier la poésie ».          
           
Ludovic Degroote

1. Lorsque le poème est construit avec une lettre identique à l’initiale, variante de l’anaphore dont j’ignore le nom savant, les vers qui se distinguent sont décalés par rapport aux précédents, ce que je rends par un espace blanc.

Françoise Clédat, Ils s’avancèrent vers les villes, Tarabuste, 2017,  336 p., 20 €.

 

(Anthologie permanente) Dominique Quélen, Revers

 

Dominique Quélen a publié récemment Revers aux éditions Flammarion.






La moitié de ta phrase me reste cachée et ça me déçoit. Il faut le tout. Pas de lecteur vidéo ? Si. Il donne du son ? Oui. Quel sens irait mais n'est pas là où est ta phrase ? Pas dedans ? Ou ce n'est pas ça qu'on entend si on respire. Que pensait-on dire et faire ? A-t-on été ? La vie espérait un peu mieux de nous ! Quoi ? Le mieux de qui espérait en vérité qu'on en finirait. Et qui n'y pensait pas. Apprend-on jamais ? Et qu'était-ce que ce délire ? Un pas en biais. D'est en ouest. Il n'y a pas de sens à chercher. Son = sens. Oui. Si un seul lecteur le croit. On le dit. On déçoit. Soit ici cachée quelque phrase. Bon. Énonce-la.


Le mouvement du vent ou quoi se lève ? Appareil à insectes ? De la pluie tombe. Fenêtre. Filin. Un être sous le rideau de pluie mystérieux plie et s'élance. On le devine à son sac de toile où d'un corps naît un gars sans un kilo superflu ! Et pur comme un demi-dieu ! Qui ne change ni ne bouge en vain ! Pas adulte. Pas adolescent. Pas vieux. Ça bouge en lui et il ne s'est qu'à demi élevé. Envoi et reçu d'un kilo. Récitation d'un poème. Stock d'eau dans un sac de sable. Et le dé de plomb. Et l'or mystérieux comme un rideau cousu contre un mur. La fenêtre n'y est pas. La voici en rêve à la fin qui lève un pan. Le vent entre. Sors-le.

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La poésie ? Une mécanique. Trop de gras. Rendue telle. Mauvaise condition. Pue. Se sclérose. Ne reconnaît rien. Au chômage. Ira ou va même déjà dans le mur. On le devine. Elle sombre puis son éclat disparaît de notre champ. Sa loi comme sa nature sortent. Et tu continues de l'employer ? Son cas sent l'être et ça sent la fin. Un être neuf réduit son élasticité à de la faiblesse et à de la nature. Il faut dire sa plasticité ! De quel rare éclat vient la sombre réminiscence le rappeler ! Dans un cas ça va ou se dégonfle. Au dé on reconnaît le coup ? Ça se dit à condition d'aller à telle vitesse loin de toute mécanique à donner le la.


La boîte a une capacité ? Pas du tout. Et un langage ? Rien à dire. Rien à convoquer sous le crâne. Tout réel est là où est tel oiseau sans os. Où un égale un et un ou un et deux. N'aie crainte. A-t-on deux et pas quatre tas d'air ? Un tas équivalent gît dans la boîte. La tête est en réalité finie. Quelle réalité n'est pas à la fin jetée dans son équivalent ou opposé ? D'où n'as-tu pas tiré ça ? On a déjà lu. On n'a pas ? Gis ou ici ou à égale distance. Sans lire. Ce n'est ni dur ni réel à exécuter. Le lu à convoquer se soustrait à rester langage ou musique. Du si ma capacité va vers le la.

Dominique Quélen, Revers, Flammarion, 2018, 140 p., 16€, pp. 55 et 56.

Dominique Quélen dans Poezibao :
le temps est un grand maigre (note par R. Klapka), extrait 1, Comme quoi (parution), extrait 2, Système (par Bruno Fern), Loque (par F. Rannou), ext. 3, Finir ses restes (JP Dubost), ext. 4, Câble à âmes multiples (S. Macaigne), ext. 5,  "des second & premier (1)" (par Ludovic Degroote), "Énoncés-types", par Vianney Lacombe, [revue Sur Zone] "Wazo", de Dominique Quélen, (musique et littérature) Entretien croisé avec Aurélien Dumont et Dominique Quélen, ext. 6, (note de lecture) Dominique Quélen, Basses contraintes, par Antoine Bertot, (anthologie permanente) Dominique Quélen, "chaque pas réduit le précédent qui le contenait", (Archive) "Wazo" lu par Dominique Quélen (2014), (Brèves de lecture) Dominique Quélen, Lionel Richard, Olivier Domerg

NB : D. Quélen lire des extraits de ce livre, en compagnie de Philippe Beck, qui lui lira des extraits de Dictées. Paris, le 13 mars, rencontre animée par Laure Gauthier.

 

(Agenda et revue de presse) du 6 mars 2018

Voici les principales informations publiées récemment dans le scoop.it de Poezibao. Dans cet espace (scoop-it), elles sont affichées dès réception ce qui permet de suivre l’actualité en temps réel ! On peut suivre ces mêmes informations via le compte twitter de Poezibao (voir colonne de gauche sur le site)



(Agenda) 7 mars, Lyon, autour de Tristan Tzara et Kurt Schwitters
(Agenda) 7, 8 et 9 mars, Paris, Stéphane Lambert
(Agenda) 8 mars, Marseille, Pierre Parlant
(Agenda) 9 mars, Paris, "Passeurs de poésie"
(Agenda) 9 mars, Paris, autour de la revue "Triages"
(Agenda) 9 mars, Marseille, 4 poètes grecs
(Agenda) 10 mars, Paris, 4 poètes grecs
(Agenda) 9 et 10 Mars, Metz, "Eden, Eden" (dans le cadre du festival POEMA)
(Agenda) 9 et 10 mars, Limoges, festival Pan
(Agenda) 11 mars, Paris, Alexandre Gherban et Michèle Métail
(Agenda) 13 mars, Montreuil, Hommage à Joseph-Julien Guglielmi
(Agenda) 14 mars, Paris, Christiane Veschambre
(Agenda) 14 mars, Paris, Christiane Veschambre
(Agenda) 14 mars, Versailles, Marcel Cohen
(Agenda) 15 mars, Paris, Jean-Patrice Courtois
(Agenda) 16 mars, Paris, autour de Roberto Juarroz
(Agenda) 17 mars, Voiron, Béatrice Brérot
(Agenda) 17 mars, Nice, Pierre Mabille
(Agenda) 16 au 18 mars, Rennes, Festival "Les Polyphonies"
(Agenda) 16 au 19 mars, le CNL au Salon du livre
(Agenda) 20 mars, Paris, Fred Griot
(Agenda) 21 mars, Paris, colloque "Les dictionnaires et les femmes"
(Agenda) 2 mai, Paris, Fred Griot

(Revues) "Catastrophes" n°6
(Revues) CCP 34/35
(Revue) En attendant Nadeau, n° 50


(En ligne) Un texte de Claude Favre

(Edition numérique) Publication d'un guide méthodologique pour l'édition de correspondances

(Sites) Nouvelles parutions sur Axolotl, site consacré à Denis Roche

(Parution) Yves Bonnefoy, Correspondance 1
(Parution) Un livre d'artiste de Sylvie Deparis sur des textes de Gao Xingjian
(Livre d'artiste) "Bref encadrement du furtif" d'Isabelle Baladine Howald

 

(Revue "NU(e)"), n°66, Anne-Marie Albiach

 

Poezibao héberge donc désormais la revue NU(e). Celle-ci est proposée au format PDF, facile à enregistrer ou à imprimer et à ouvrir d’un simple clic.
Le numéro 66, première publication au format électronique, est consacré à Anne-Marie Albiach.

Le numéro 66 de la Revue NU(e) sur Anne-Marie Albiach

Anne-Marie Albiach publie ses premiers poèmes à la fin des années soixante. État paraît en 1971 au Mercure de France. Selon Claude Royet-Journoud, la poète vient de « changer le visage de la poésie ». Si, de son poème, « partition de mots, de phrases, de blocs et d’espaces » monte, comme le pense Emmanuel Hocquard, « une polyphonie d’intonations qui vont de l’austérité à la sensualité extrême », pour Jean-Marie Gleize, il s’agit de « l’invention de formes nouvelles, sans définition de genre ».
Prenant sa source dans le mouvement immobile qui anime le corps, le poème d’Anne-Marie Albiach propose comme un théâtre de mots, reflets d’une intériorité, sur l’espace scénique de la page. Le théâtre ou la théâtralité caractérisent son esthétique. Mais la danse paraît peut-être mieux à même de définir ce qui se joue dans cette œuvre, par cette volonté de spatialisation. Si pour Mallarmé, « la Danse [est] seule capable, par son écriture sommaire, de traduire le fugace et le soudain jusqu’à l’Idée », pour Anne-Marie Albiach, il est possible d’envisager une « mobilité chorégraphique ». La poète n’affirme-t-elle pas, d’ailleurs, qu’« il y a une disposition chorale » dans ses poèmes et que cette façon de disposer les mots sur la page se fait selon un « rythme corporel » ? Le blanc, quant à lui, véritable cheville ouvrière du poème, « renvoie au corps de façon initiale » : « une fois qu’il est inscrit sur la page, il renvoie au discours et au discours du corps. En fait, le blanc m’est très naturel, dit Anne-Marie Albiach. Il n’est pas pour moi une mise en question. Il est devenu l’écriture même, enfin... il fait partie de l’écriture même. Tout autant que la lettre, que l’alphabet. » Nous pouvons encore lire dans Figurations de l’image : « une blancheur irradie nos pulsions ». Cette blancheur pourrait bien être en relation directe avec le réel, qui s’y résorbe ou nidifie. Le réel œuvre jusqu’à une certaine dimension spirituelle : « le réel s’avoue indécis / dans la description / irradie la nuque / vers une verticalité ». Le langage, cette « courbe invertébrée », prend en force et en affirmation lorsqu’il s’érige, et devient « l’acte vertébral ».
C’est aussi d’une lecture musicale qu’il faut parler avec Anne-Marie Albiach. En effet, elle souhaite que son poème soit comme « le reflet d’un chant » et ce chant envisagerait le passé, la mémoire. Composition phonique, chœur, chant ou sorte d’écholalie par contrepoint, le poème se répartit sur la page comme les notes d’une partition.

Le volume que consacre la revue NU(e) à Anne-Marie Albiach, coordonné par Régis Lefort, rassemble « Intermède ou lapsus », un texte publié dans la revue Amastra-N-Gallar en 2006, des brouillons d’Anne-Marie Albiach, des photographies, des hommages et des études critiques indiqués ci-dessous :

• Anne-Marie ALBIACH, « Intermède ou lapsus »       • Anne-Marie ALBIACH, Brouillons de poèmes • Régis LEFORT, Le désir ou l’attente • Alain CRESSAN, Géométrie – discontinu – point : figure vocative • Florence JOU, Circuler dans l’œuvre d’Anne-Marie Albiach • Francis COHEN, De la pulsion tangente au volume • Éric DAZZAN, Anne-Marie Albiach : l’existence du terrible : la remémoration • Catherine SOULIER, Résonances circulaires, Notes sur L’EXCÈS : cette mesure • Marie-Antoinette BISSAY, Représentations mouvementées des corps dans l’entrelacs sde l’écriture poétique • Sandrine BÉDOURET-LARRABURU, Une poétique du corps dans Mezza Voce • Marie JOQUEVIEL-BOURJEA, A(nne)-M(arie) A(lbiach) : NU(e) • Rémi BOUTHONNIER, Une étude linéaire de « Distance : “analogie” » • Françoise DELORME, L’abstraction et l’épreuve du feu, État, une traversée • Abigail LANG, État des lieux. Anne-Marie Albiach, “A”-9 et la poésie américaine


Bibliographie : Haie interne, revue « Nothing doing in London », 1966 ; Flammigère, revue « Siècle à mains », 1967 ; delà  En dépit, revue « Le temps des loups », 1969 ; État, Mercure de France, 1971 ; Mezza Voce, Flammarion, 1984 ; Anawratha, Spectres familiers, 1984 ; « Figure vocative », Lettres de casse, 1985 ; « premier portrait », revue « Fin », 2002 ; Figurations de l’image, Flammarion, 2004 ; « après cela, moi j’ai regardé », revue « Amastra-N-Gallar », 2006 ; Cité lacustre reins brisés, revue « Fin », 2006 ; Un délit mémoriel, revue « CCP », 2007 ; L’Asphyxie proximité du verbe, revue « Ligne 13 », 2011 ; Celui des « lames », Éric Pesty, 2013 ; Cinq le Chœur (1966-2012), Flammarion, 2014.

Pour lire le n°66 de la revue NU(e) consacré à Anne-Marie Albiach, cliquer sur ce lien*

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(Revues) Poezibao accueille désormais la revue "NU(e)"

 

Poezibao a accepté avec bonheur la demande de Béatrice Bonhomme d’accueillir désormais sur le site sa revue NU(e). Celle-ci, riche de près de soixante-dix numéros, paraît trois fois par an. Elle quitte le format papier et sera donc désormais publiée directement en fichier PDF sur le site Poezibao.
Poezibao et NU(e) proposent aujourd’hui le n°66, consacré à Anne-Marie Albiach.

En préalable à cette publication, Béatrice Bonhomme revient ici sur la revue, son histoire, ses perspectives

La Revue NU(e)

Fondée par Béatrice Bonhomme et Hervé Bosio en 1994, la revue NU(e) a publié 66 numéros sur la poésie contemporaine. Chaque numéro, véritable dossier de recherche consacré à un poète particulier, comprend un entretien, des textes de création inédits, des articles critiques, des interventions plastiques et une bibliographie exhaustive. La couverture de la revue a été dessinée par la plasticienne Sonia Guerin.

La revue NU(e) frappe d’abord par ses couleurs (le bleu de la méditerranée qui s’est ensuite décliné dans les couleurs de l’arc-en-ciel) et par son titre qui marque une volonté d'aller vers la nudité, le dénuement, le dépouillement. Le (e) permet aussi de souligner la présence trop souvent négligée de la femme dans la poésie contemporaine. NU(e) est également l'anagramme de une, à la fois singularité et convergence. C’est ainsi que NU(e) défend une parole de liberté contre toute caste, cénacle, chapelle, obédience, mot d'ordre. Elle refuse de limiter la poésie à des débats dépassés. NU(e) veut lutter contre le sectarisme pour accueillir la différence, les diversités. Elle voudrait faire entendre une polyphonie plutôt qu'une polyphobie, des résultats d'écriture plutôt que des diktats théoriques, des chocs de styles plutôt qu'un ton unanime. NU(e) est parole laissée aux « mineurs » et minoritaires de la poésie, mais inversement occasion, pour les « grands auteurs », de s’exprimer en confiance. La revue a ainsi créé un style qui permet, d’un numéro à l’autre, au fur et à mesure, de faire apparaître un véritable panorama de la poésie contemporaine, et cela sans exclusion, dans un souci de partage. Elle recueille ainsi des approches différentes qu’elle fait se croiser, se rencontrer, se mêler, se tutoyer, passant d’une voix à l’autre, dans une volonté de décloisonnement. Son rôle d’ouverture permet qu’elle soit présente dans une relation à d’autres cultures et à d’autres langues. Elle est donc un lieu de fertilité, un lieu d’expérimentation, un lieu de découverte, et participe à la lisibilité d’auteurs connus ou non.
Accordant également une place importante aux arts plastiques et travaillant en collaboration avec des peintres, des graveurs ou des photographes, NU(e) possède une vocation de découverte et joue le rôle d’un laboratoire. Elle constitue un lieu d’artisanat et d’amitié, au sens où l’entend Blanchot, c’est-à-dire « rapport sans dépendance » où entre « toute la simplicité de la vie ». Cette amitié passe par la « reconnaissance de l’étrangeté commune », selon « le mouvement de l’entente ». S’en remettant à Kenneth White : « Éduquez-vous en nudité. Orphée était nu sur une pierre », NU(e) souhaite marquer sa volonté d’aller vers la nudité, vers l’essentiel, tout en privilégiant une sobriété exigeante.

Après 24 ans de publication papier, la revue souhaite moderniser sa diffusion en passant au numérique pour être encore plus accessible et élargir son lectorat, en proposant gratuitement les nouveaux numéros qui paraîtront désormais en ligne. Florence Trocmé, ayant accepté de l’accueillir sur son site, NU(e) continuera, sous cette nouvelle forme à paraître 3 fois par an.
La liste des anciens numéros, ainsi que tous les sommaires et quelques extraits, resteront accessibles sur le site de la revue NU(e) : Les numéros papier toujours disponibles pourront être commandés sur paypal ou par courrier à l’adresse de la Revue, 29 avenue Primerose, Nice 06000.


Béatrice Bonhomme

 

(Note de lecture) Laure Gauthier,"La città dolente", par Claire Tencin

 

En entrant dans la cité de Laure Gauthier, on se risque à traverser les cercles de l’enfer-mement où les corps se dégondent sous les cahots de la syntaxe. La violence s’épie derrière les bruits inaudibles, les figurations vides de personnages dé-figurés, de l’enfance à la vieillesse des êtres que le quotidien acharné a fait grandir sans visage, a abîmé dans le sordide, a beugné de coups, a fait tournicoter dans la machine à laver, a abruti de son somnolent ennui : la mastication de la blanquette de veau ou l’accrochage des rideaux en surimpression sur les blessures, les mots camouflés sous la peau.

Le regard est éduqué
Pour rester à hauteur de vitrine ; regard gondole,
Fausse Vénétie

Les sept chants de la Cité Dolente trace la cartographie de corps démembrés, mutilés, conservés dans le formol d’un silence transparent. La violence est ontologique à la vie, l’espérance se rattrape aux gestes perdus de l’humour.
 
Il faudra bientôt planter davantage de pins et de chênes pour les cercueils XXL. Et dire que l’on manifeste contre le foie-gras.

Laure Gauthier manipule son lexique au doigté ou à coup de griffes, la main et sa cohorte verbale marquent constamment la gestuelle de la langue qui enfouit et déterre. Mains tâchées, mains tendues éperdues, mains ligotées, mains-pochoirs rouge sur la peau, main dans la bouche pour retirer les fils de la viande de veau. Des mains comme les prolégomènes d’un désir fossoyeur.
Tendre la main au travers de la terre sous laquelle gît sa mère, pour s’en couvrir, s’y rassurer.
La langue ligature ramasse les organes que la pesanteur ne peut guère soulever de la flaque de sang. L’enfant au pilori, torturé en public, ne vaut pas un spectacle, le malade cloué dans son lit stationne entre dehors et dedans sans voir l’issue dans le couloir.

Tout comme le corps fracturé, le décor se fracture, effraction des sensations dans le réel, effraction des couleurs, des sons, des images-truites en guise de truites, le réel ne se plie pas en quatre dans la description formelle. Un réel fractal, pointé au fond de la rétine pour regarder les viscères et le squelette.

Curiosité animale. J’attends sans langue. Ne suis qu’attente et nez. Odeur de pins artificiels sous laquelle je devine la mort. Cela sent le linoleum, le détergent et la vie achevée.

On y étouffe dans la prose de Laure Gauthier, en apnée sous les mots, le nez aux aguets, la bouche obstruée, les oreilles dans l’agonie des corps, la respiration se défait maigre, au bord de l’asphyxie.

bouche à bouche écorché avec l’inaccepté

Dans La cité dolente de Laure on entend un chant, on ne sait si c’est celui des origines ou de la fin, il s’époumone dans la langue, la dégringolade des allitérations le halètement lexical les cris en lettres capitales les incartades domestiques et l’humour sauve qui peut.

Le livre, paru chez Chatelet-Voltaire en 2015*, vient de paraître en version bilingue dans la sensible et polyphonique traduction de Gabriella Serrone (éd. Macabor, 2018). Ce passage d’une rive française à une rive italienne rend non seulement hommage à ce que l’auteure depuis marie weiss rot / marie blanc rouge (écriture bilingue français-allemand) appelle « la poésie de couloir », un espace habitable et libre, une langue interstice « blanche », mais il prend également acte du dialogue sous-jacent de ce livre avec la poésie italienne, à commencer par le titre qui fait écho à l’Enfer de Dante, ou l’exergue tiré d’une citation de Pasolini (« avrei voluto urlare, e ero muto, P. P. Pasolini, La Religione del moi tempo : « J’aurais voulu hurler, et j’étais muet).

L’auteure revisite les cercles de l’enfer en métamorphosant les illustres protagonistes de Dante en visages anonymes et blessés par des images à consommer et des gros-titres à voir. L’enfer est la fait-diversification du monde, le monde vécu comme fait-divers jusqu’à effacement des visages. Contrairement à Dante, l’auteure rend hommage aux anonymes notamment dans le Chant cinquième où se trouve une citation modifiée de La divine comédie : « Je quitte le douloureux hospice vers les voix vives. Que des inconnus – me repeuplent. »

Claire Tencin

Laure Gauthier, La città dolente, traduzione di Gabriella Serrone, Macabor, bilingue italien/français, 2018€

*Laure Gauthier, La cité dolente, Chatelet Voltaire, 2015.