Poezibao

Poezibao a reçu (dimanche 9 décembre 2007)

Cette chronique présente les livres reçus par Poezibao. Elle n’est pas constituée de notes de lectures ou de notes critiques et fait souvent appel au matériel fourni par les éditeurs.

 

Henri Droguet, Off, poèmes, Gallimard
Grand cahier Michel Deguy, le Bleu du ciel
Jean-Pascal Dubost, Vers à vif, Obsidiane
Revue Théodore Balmoral, n° 55, automne 2007
Cole Swensen, si riche heure, José Corti
Jacques Ancet, entre corps et pensée, Écrits des Forges / le dé bleu (l’idée bleue)

 

 

 

Henri Droguet
Off
Gallimard, 15 €
haut de page

 

Poezibao depuis ses débuts a toujours suivi avec attention l’œuvre singulière d’Henri Droguet et je crois que l’on peut reprendre ici les mots que j’employais pour parler de Avis de Passage : Henri Droguet allie l'art du miniaturiste au souffle de l'épopée. Une épopée dont les oiseaux, les nuages, la houle seraient les personnages, car ici pas d'humains. Rien que les éléments, le paysage et le poète, qui se parle, se prend à partie, se tourne en dérision (il y a un aspect terriblement grinçant dans certains textes). La mort, la pourriture, la "sauvage entropie", toile de fond, bruit de fond de l'univers de Droguet. Et j’ajouterai le somptueux lexique, noms de plantes, noms de vents, mots rares.

 

(extrait du poème Hourvari)
l’iode et les petits os dans les grands
l’eau des sources chétives     les purins et limons
la criste et l’armérie maritime     les spergulaires
et la carotte à gomme au port trapu
dans les coussinets de bruyère
une araignée remaille son haillon rompu
l’ordinaire dépote hétéroclite     fucus vésiculeux
l’effarante agglomération des crépidules
les draps mouillés claquant dans les enclos
les fours à boulet    fours à chaux   le coaltar et l’étoupe
les ajoncs crépitants    l’écho lacunaire d’un glas
mugistusque boum
le sel granulé noir    l’ébriété des grains
leur démentiel blanc biffeur
dans le ciel saturé

[…]

 

Henri Droguet dans Poezibao :
Bio-bibliographie , extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4 (Avis de passage), fiche de lecture de Avis de Passage, extrait 5, extrait 6

 

 

 

Grand Cahier Michel Deguy
Le Bleu du ciel, 30 €
haut de page

 

C’est une vraie somme que propose ici l’éditeur Le Bleu du ciel en un grand « cahier » au format généreux, riche de nombreux textes, essais et poèmes de Michel Deguy, la part du lion, accompagnés d’un corpus « Études/Lectures » avec des contributions de Philippe Verstraten, Wilson Baldridge, Yves Charnet, Adelaïde Russo, Jean-Luc Nancy, Claude Mouchard ou Jean-Pierre Moussaron.
Les pages de Michel Deguy sont elles-mêmes réparties en trois ensembles, « Sous Escorte » avec des textes dédiés aux écrivains (Aragon, Roland Barthes, Cocteau, des Forêts, etc.), aux philosophes (Derrida, Gérard Granel, Jean-François Lyotard, etc.), aux poètes (Bonnefoy, Haroldo de Campos, Godo, c’est à dire Godofredo Iommi, Vadim Kozovoï, etc.). Puis un second ensemble « Cours de vie » où se côtoient, classés de nouveau en ensembles « saluts » ou « circonstances »  des lettres, des souvenirs de rencontres (Michel Chaillou, Lorand Gaspar), des articles polémiques, des réactions, des entretiens (avec Michel Collot notamment). Bref ce qu’on pourrait appeler l’ordinaire d’une vie d’écrivain, une réunion d’articles et de textes publiés dans des revues ou des journaux, dans des monographies ou des ouvrages collectifs, de 2001 à 2006. Quant aux poèmes de Michel Deguy qui ferment ce très bel ensemble il s’agit de Les meurtrières, la toute première publication de Michel Deguy, réalisée en 1959 grâce à Pierre-Jean Oswald et dont le stock fut ultérieurement détruit quand Jean Oswald rappelé en Algérie déserta et que son imprimerie et ses biens furent saisis.

 

 

 

Jean-Pascal Dubost
Vers à vif
Obsidiane, 14 €
haut de page

 

Deux livres de Jean-Pascal Dubost ces derniers mois : Fatrassier chez Tarabuste et ces Vers à vif publiés par Obsidiane avec toujours cette approche du réel en petits blocs de textes où les phrases bifurquent sans prévenir, où le lecteur est en permanence déstabilisé de son confort de lecteur, embarqué là où il n’avait pas prévu d’aller. Ecriture qui ouvre sous ses apparences de fermeture des pistes dans les broussailles et parfois de grands trous sous les pieds. Avec une bonne dose d’autodérision, ces Vers à vif mettent les nerfs à vif et conduisent à regarder les choses sous un autre angle

 

extrait
Où ça va m’avancer à quoi bien cet appendix probi-ci
cette floraison en mauvaise humeur de mon humaine
rature et foison de barbarismes et de pillages et d’hics,
d’hargne et de vices, c’est un copier-pisser-coller
monté pas piqué des vers mais piqué de tours et de
formes et d’axes à volonté de tous horizons sans me
faire prier -

 

 

 

Revue Théodore Balmoral
n° 55, automne 2007, 20 €
haut de page

 

En perpétuel danger, comme tant et tant de revues, Théodore Balmoral, revue de littérature, réussit cependant à proposer ce nouveau numéro (voir l’appel du 24 octobre 2005). Avec dans ce numéro 55 « dans les brouillards du petit jour », des textes de Marie Alloy, Pascal Commère, Henri Droguet (voir ci-dessus), Alberto Manguel, Robert Marteau, Jacques Réda, Gilles Ortlieb, Jean-Paul Michel pour n’en citer que quelques-uns. On retrouve le soin éditorial habituel à cette revue, beau papier, typographie impeccable. Un vrai plaisir de lecture qu’on espère bien pouvoir renouveler au fil des mois à venir.

 

 

 

Cole Swensen
Si riche heure
traduit de l’anglais par Maïtreyi et Nicolas Pesquès
José Corti, 16 €

haut de page

 

« Couvrant une large palette de sujets – de la peste et la première danse macabre en passant par le développement de la perspective ou les recettes pour les pigments – ce nouveau recueil de Cole Swensen prend place dans le XVème siècle français, une fertile et tragique période de transition entre le Moyen Âge et la Renaissance. Inspirée par le célèbre livre d’heures Les Très riches heures du Duc de Berry dont elle suit le calendrier, l’auteur explore la manière dont les arts interagissent avec l’histoire qui s’avance. Philosophie, souffrance et beauté parcourent ce recueil d’une rare puissance où la précision historique, loin de le restreindre à une époque, amène, comme à l’insu de l’auteure, de troublants rapprochements.

Cole Swensen enseigne la littérature comparée à l’université d’Iowa. Elle a traduit en anglais des poètes français contemporains (Pierre Alfieri, Olivier Cadiot, Jean Tortel). Elle a publié plusieurs recueils et reçu de nombreuses distinctions (New American Poetry Award, notamment). Ce recueil est le deuxième traduit en français, après Noon (traduit Nef, éditions Les Petits matins, 2005). » d’après le site des éditions Corti où on peut lire un extrait de ce livre

 

 

 

Jacques Ancet
Entre corps et pensée, anthologie composée par Yves Charnet
Ecrit des Forges/Le dé bleu (l’idée bleue), 15 €
haut de page

 

Poezibao a déjà présenté ce nouveau livre de Jacques Ancet en en choisissant un extrait pour l’anthologie permanente, ce 7 décembre

Un entretien avec Antoine Emaz (par Tristan Hordé), fin

Poezibao termine avec cette troisième partie la publication d’un entretien entre Antoine Émaz et Tristan Hordé, le 9 mars 2007
première partie de l’entretien
deuxième partie de l’entretien
Il est aussi possible de cliquer sur entretiens ici ou dans la colonne de droite, pour disposer de l’ensemble de l’entretien (descendre dans la page pour accéder au début)

enfin je mets à disposition, en téléchargement, le fichier de l'intégralité de l'entretien

Téléchargement EntretienEmaz.pdf

 

Tristan Hordé : pourrait-on parler du problème de la mémoire, pas seulement de la mémoire des événements, aussi de la mémoire de l’enfance – il y a des fragments du temps de l’enfance qui viennent dans certains poèmes.

 

Antoine Émaz : cela vient plus souvent maintenant. Dans Peau, ensemble écrit depuis 2005, trois ou quatre poèmes renvoient très directement à l’enfance, de manière quasiment descriptive, ce qui n’était pas possible il y a vingt ans. C’est pourquoi François-Marie Deyrolle s’est arrêté à 1997 pour l’anthologie Caisse claire ; après 1997, notamment avec la série, Soirs, Ras, Os, De l’air, Peau, il y a des motifs qui sont apparus, absents auparavant. Notamment l’enfance et les événements du monde, le fonctionnement de la mémoire aussi. Est-ce que cela tient au vieillissement, ce motif de l’enfance ? À la mort des parents ? Je ne sais pas.

 

TH : mais cette mémoire de l’enfance est donnée au même plan que le présent ou que le proche passé ; on a l’impression que tous les temps se confondent.

 

AE : tu as raison. Je ne distingue pas les différents plans ; du présent est mêlé à du passé proche ou du passé lointain. Je ne sais pas comment cela fonctionne, je constate que c’est comme ça dans mon écriture. Dans un poème je ne "veux" jamais me souvenir, c’est le souvenir qui s’impose.

 

TH : mais quand tu travailles ta matière, tu sais bien qu’il y des temps différents…

 

AE : oui, et je les laisse tels quels. J’ai toujours tendance à faire confiance à ce qui s’est écrit au départ, comme malgré moi, comme si une vérité personnelle apparaissait dans le poème qu’il fallait que je respecte.

 

TH : ce que je lis quand le texte se rapporte à l’enfance, c’est toujours quelque chose de très obscur ; tu parles d’un mouvement vers l’origine dans un poème, « Comprendre que l’on n’en finira pas avant de connaître l’origine »…

 

AE : Il s’agit bien pour moi d’essayer de voir d’où ça vient. Pour employer un vocabulaire chrétien, sans l’être, il y a bien une sorte de péché originel, c’est-à-dire qu’il y a quelque chose dans "vivre" qui est faussé dès le départ, quelque chose de raté dans "vivre", et j’ai une conscience profonde de cela, qui a été fortement aiguisée par diverses circonstances. On ne comprend pas forcément ce qui est faussé, ce qui est raté, mais c’est, d’évidence. « Dans chaque poète il y a un enfant qui pleure », écrivait Reverdy. Chez tous les poètes que je connais un peu, derrière le masque social tu trouves une fêlure dès que tu grattes un peu, et il y a un lien entre cette fêlure et l’écriture, même si on n’est pas capable de le définir. Mieux vaut sans doute ne rien en savoir !

 

TH : mouvement qui évoque Beckett…

 

AE : j’aime beaucoup Beckett ; chez lui tu retrouves cette simplicité, le très peu de mots pour aller au plus loin possible d’une sorte de condition humaine ; une manière de dire la vie, ce qu’il y a de manque dans vivre d’une façon extrêmement simple. Je me sens proche de cela, des derniers petits textes, Soubresauts, L’image, Le dépeupleur, avec la solidité étonnante de la langue en même temps que l’émotion.
Sur l’origine… Il y a un creusement : en quoi le passé fait écho au présent. Je crois qu’écrire est toujours lié au passé parce qu’on ne peut pas écrire sur une émotion originale, neuve. Il faut toujours que cette émotion entre en résonance avec du déjà vécu pour que de l’écriture puisse se faire, sinon tu es dans quelque chose où il y a une émotion très forte, mais comme tu ne l’as pas déjà vécue, en quelque sorte, tu ne peux pas l’écrire, tu n’as pas de langue. Il faut attendre qu’une émotion un peu analogue vienne recouvrir la première pour que tu puisses écrire quelque chose. Il y a une page très juste de Baudelaire à propos de la mémoire palimpseste, au début du Mangeur d’opium ; la mémoire comme stratification d’expériences et d’émotions, la dernière venue faisant résonner toutes les strates antérieures. Pour moi, je ne cherche pas à marquer dans le poème si c’est plus ou moins loin dans le passé : tout joue de manière un peu élastique ; il y a plein d’étages et tu bouges d’un étage à l’autre sans trop savoir où cela s’arrête. Donc, les temps se mêlent, et cela m’intéresse vraiment, cela se creuse…

 

TH : cela se creuse et toujours vers l’obscur.

 

AE : oui, parce que je pense que l’expérience forte rend muet, donc arriver à mettre des mots là-dessus ce n’est pas très évident. Mais … J’avais essayé une fois, avec de petites proses, de sérier les expériences fortes que j’avais eues dans l’enfance et dont je me souvenais. J’ai abandonné après deux ou trois textes, je n’ai jamais repris, sans doute parce que cela tournait trop vers le récit – je n’aime pas raconter. Le poème donne l’avantage de pouvoir jouer sur une sorte de clair-obscur, alors que si tu racontes tu es dans du « clair ». Quelqu’un m’avait demandé d’écrire sur un souvenir marquant, et j’ai dit tout de suite que je ne pouvais pas le faire.

 

TH : c’était un sujet de rédaction…

 

AE : (rire) la mémoire comme motrice, oui, et le travail sur mémoire et présent, oui aussi. Le poème me révèle quelque chose que je n’attendais pas, je ne pensais pas aller dans telle ou telle direction du temps. Encore une fois il n’y a pas une démarche volontaire d’aller vers le souvenir, du passé affleure au passage de tel ou tel truc dans le présent. Le poème en quelque sorte va noter cela.

 

TH : c’est le poème-analyse…

 

AE : (rire) oui, auto-analyse anarchique…

 

TH : je reviens au poème titré Tours, où j’ai trouvé plus fort qu’ailleurs l’obsession de la chute, de l’écroulement.

 

AE : toute une série d’images disent l’obstacle ou la destruction. En ce sens, on pourrait dire que ma poésie est très négative. Il y a bien cette idée que tout est train de se défaire, tout s’éparpille. Je ne sais pas à quoi ça tient, mais c’est en effet obsessionnel. Il y a sûrement à travers l’image quelque chose qui dirait la limite de vivre, le fait qu’il n’y a pas de plénitude possible de vivre, on est toujours dans l’étroit, dans l’exigu, dans ce qui se défait. Finalement, il ne restera rien, c’est sûr… Mais j’aime mieux le savoir, être lucide qu’aveugle… Cela donne une poésie assez sombre, on ne peut pas le nier.

 

TH : avec Tours, cette obsession de la chute trouvait une matière de choix, en même temps que tu faisais un choix politique…

 

AE : il y a cet enjeu politique, mais aussi quelque chose d’autre : comment une image, un événement se défont. Quelle que soit son importance, l’événement ne tient pas plus de trois semaines. Oublié. Rien ne tient.

 

TH : d’où la douleur de la mémoire.

 

AE : oui, parce que si tu ne gardes pas un peu, ne serait-ce qu’à travers un poème, trace d’un événement, du vécu, il ne restera rien du tout. Même les poèmes, on n’est vraiment pas sûrs qu’ils tiennent longtemps…

 

TH : ils tiennent au moins pour toi.

 

AE : mais après, il ne faut pas rêver… Je rêve peu d’ordinaire…

 

TH : il y a une autre théâtre d’obsessions, un peu différent de l’obsession de la chute : l’enlisement avec le sable, la boue, la vase, l’obstacle avec le mur, la falaise, et la lourdeur – lourd est des mots les plus souvent employés dans tes poèmes : tout est lourd, et va tomber.

 

AE : on revient à une sorte de morale ; très profondément il y a une impossibilité de vivre ou de se réaliser pleinement qui est fondamentale chez moi. On ne réalisera jamais tout ce qui était à faire, on mourra avant d’avoir fait tout ce que l’on pouvait faire. J’ai une conscience très forte de cela et, en même temps, aussi fortement, l’idée qu’il faut se tenir en face, résister, ne pas se laisser tomber, écraser.

 

TH : c’est : titre d’un ensemble de tes poèmes.

 

AE : oui. Se tenir debout est une nécessité, ancrée en moi avec en même temps la certitude qu’à plus ou moins long terme, rien n’en restera, pas même les poèmes. Finalement, on vient de rien et l’on va vers rien – mais allons-y tranquillement, avec le sourire et en gênant le moins possible les autres.

 

TH : néanmoins, la crainte de la suffocation est forte.

 

AE : reprends l’étymologie d’ « angoisse » : l’étroitesse. Je ne suis pas dans un monde tranquille ; tu trouveras dans mes textes le mot « calme », pas celui de « paix » ; la tranquillité, un peu cependant avec le jardin, avec les végétaux. Sinon la vie au quotidien, c’est la difficulté, le stress, de la lourdeur, du poids : quand tu veux réaliser quelque chose, c’est lourd, tu vas peiner pendant des mois pour un résultat minime.

 

 

TH : par exemple dans ton métier de professeur ?

 

AE : c’est un métier que j’aime bien, mais fatigant, répétitif, pénible. Pendant plusieurs années, il y a eu un combat syndical assez lourd pour améliorer une situation, mais pour déplacer un tout petit peu quelque chose, il faut des efforts énormes, et l’acquis est toujours remis en cause, alors même que la nécessité de changer est évidente pour tout le monde. Tout cela fatigue. La fatigue est un des motifs de mon écriture, et c’est bien la fatigue liée au travail ; même si elle n’est pas n’est pas lisible directement par le lecteur.
Là où je peux retrouver du calme, c’est ici, entre les murs du jardin : il y a là une sorte de sérénité, mais provisoire, je sais que cela ne va pas durer. Donc il faut en profiter tout de suite. Je ressens le dehors comme dangereux, parce que j’ai peu de pouvoir sur lui, et que je le ressens comme potentiellement agressif. Vivre dehors c’est entrer dans du malaise.

 

TH : ce qui apparaît quand on te voit dehors avec les autres…

 

AE : si tu le dis… Je ne sais pas d’où cela vient, cela doit s’ancrer dans l’enfance. Une sorte d’inaptitude à vivre. Je pense au titre que j’aime bien de Cocteau, La difficulté d’être, celui de Pavese, Le Métier de vivre. Je ne suis pas du tout suicidaire, mais il y a souvent des tensions très fortes ; il faut éviter ou affronter ces moments, et tâcher avec les autres comme avec soi-même de tenir le choc. Voilà quelque chose que j’admire chez James [Sacré] : je sais bien qu’au fond de lui-même il est inquiet, mais il a toujours une grande égalité d’humeur ; lire une page de lui, un paysage par exemple, a le don de me faire entrer dans une sorte de sérénité.

 

TH : il n’y a que là que la paix existe…

 

AE : oui, dans les mots. La nature, aussi.

 

TH : tes textes ne sont pas pessimistes ; on pourrait parler plutôt de lucidité – et la lucidité est positive, non ?

 

AE : oui, et c’est pour cela que j’ai toujours refusé le nihilisme. Il faut lutter plutôt qu’empirer. Par la lucidité, je rejoins Reverdy et, encore, les moralistes du XVII^e siècle : pas de faux-semblant. C’est comme ça, C’est.

 

TH : et le titre Caisse claire ?

 

AE : je voulais d’abord Cela, mais le titre n’était vraiment pas assez porteur pour l’éditeur. Après plusieurs autres, comme Un peu d’air et de peur, qui étaient trouvés trop noirs, je me suis arrêté à Caisse claire, avec l’image de la peau tendue sur laquelle on frappe. Comme si la peau était frappée par le dehors, ce qui arrive du monde, et par le dedans, par tout ce qui remonte de la mémoire…Cela produit un son, le poème. L’idée de la peau tendue me plaisait bien, l’idée aussi que la caisse claire est celle dans laquelle on sera au bout… Mais la plupart des gens ne voient pas ce deuxième sens…C’est celui que tu as lu en premier (rires).

©Tristan Hordé pour l'entretien et pour la photo

Anthologie permanente : Auxeméry

Les sceaux

 

à Yves di Manno

 

 

Les images et les sons dérivent de l’union
du cœur et de l’intelligence.

 

                                           Et toute beauté
définit clairement les limites d’un temple :
valeur & vie sous le cercle d’étoiles.

 

– Palimpseste sur le sol & les chemins.

 

& dans les pas des hommes, un champ de signes.

 

Foyer de sens – & lignes & contours
        mémoire
                  – elle trie, échange & conjugue
les termes & les images du canevas.
                                                  Le poème
de pas d’hommes devient alors lisible,
une gorge chante comme des corps dansent ;
des vocables s’assemblent, légers, graves
                     – une chambre d’échos.

 

Tout ce théâtre va, s’effondre enfin vers son issue.

 

Les images rentrent dans les charniers – les figures
s’affaissent, remâchent – les corps se courbent,
        s’humilient, rabâchent : sens
                 & perte de tout sens.

 

Le temple n’a jamais eu de porte ni de sanctuaire :
livre stupide, lignes & signes sous la dictée
                 – nulle origine, comme aucune fin.
                           Retour, longue vanité.

 

Et corridors             où fuse un éclat de rire fou,
et respirations            avortées au passage des seuils.

 

Cœurs meurent            esprits radotent         sceaux se brisent.

 

      Charroi des fleuves las – dérive
           des passions           des gloires

                  et des voix.

 

Toute beauté prend couleur & sens du désastre infini
d’un peu d’un long cheminement sous la voûte des signes,

 

& de la respiration des cœurs, & de la discipline

 

      des souffles avant que la chanson flanche,

 

      et que les murs croulent, passé le seuil

 

Jean-Paul Auxeméry, Parafe, Flammarion, 1994, p. 86

 

Auxeméry dans Poezibao :
Bio-bibliographie, les animaux industrieux (présentation), extrait 1

 

index de Poezibao
Revenir à la Une de Poezibao

 

Sur simple demande à [email protected], recevez chaque jour l'anthologie permanente dans votre boîte aux lettres électronique

La mort du compositeur Karlheinz Stockhausen

J’ai souvent rêvé d’un Muzibao, parallèle à Poezibao. Faute de temps, je dois y renoncer mais je tiens à signaler la mort, ce 5 décembre 2007, d’un immense compositeur, Karlheinz Stockhausen. Il était né le 22 Août 1928.

 

quelques liens
le premier, pour les lecteurs de la langue allemande, le site de K. Stockhausen, essentiel.
Belles ressources aussi sur ce site en français alors que très curieusement la page IRCAM sur le musicien est donnée comme « en construction » !

Ce soir, à Marseille, autour de Ingeborg Bachmann et Christine Lavant

Ingeborg Bachmann & Christine Lavant
Lectures bilingues des traductions faites au cours de l'Atelier 14.

 

Avec Liliane Giraudon, écrivain, Angela Konrad, dramaturge et metteur en scène, Jean-Jacques Viton, écrivain et Catherine Weinzaepflen, écrivain.

 

Ingeborg Bachmann est née en 1926 en Autriche. Elle publie en 1952, dès son entrée dans le « Groupe 47», groupe littéraire dont l'objectif est de « libérer les Hommes des mots salis par les Nazis ». Dissout en 1967, ce groupe qui avait donné son nom à un Prix de Littérature prestigieux, avait eu le temps de publier Günter Grass, Heinrich Böll, le poète Magnus Enzensberger et donc aussi Ingeborg Bachmann. Ses poèmes la rendirent immédiatement célèbre. Très proche de Max Frisch, très liée à Paul Celan, elle écrivit aussi des nouvelles, des romans, des pièces pour la radio. Elle meurt à Rome, dans sa chambre, au cours d'un incendie de nuit, en 1973.

 

Christine Lavant est née en 1915 en Autriche, dans la vallée du Lavant. Elle ne supporte pas la lumière, elle est presque aveugle, couverte de scrofules. Das Kind (l'Enfant), son premier livre, est le récit du séjour d'une très jeune fille (12 ans) dans un hôpital ophtalmologique. Thomas Bernhard saluera comme une grande oeuvre ce premier récit. Elle peint, elle lit, elle écrit, reconnue aussi par Elfriede Jelinek. Christine Lavant est sujette à de graves ennuis de santé permanents. En 1933, tentative de suicide, dépression, internement en hôpital psychiatrique. Puis elle reprend l'écriture, les lectures religieuses, philosophiques, mystiques, occultes, admire Hansum et Rilke. Elle écrit beaucoup de récits et poèmes, reçoit deux fois le Prix Trakl et le Grand Prix Littéraire de l'Etat Autrichien. De nouveau hospitalisée, elle meurt en 1973.

 

Tarifs : Plein : 3 euros. Tarif montévidéo* : entrée libre
* carte montévidéo : 15 euros pour un an
Renseignements / réservations : 04 91 37 14 04

montévidéo,créations contemporaines, théâtre, musique, écriture
3 impasse montévideo 13006 Marseille / Tél. : +33 (0)4 91 37 97 35 /

La rivière échappée, nouveau cours

Suivez le cours de……..La Rivière échappée…

 

La collection de poésie La Rivière échappée est reconnue pour la qualité de son travail. Depuis 20 ans (l’automne 2008 sera un bel anniversaire !), elle donne à lire poètes confirmés et jeunes auteurs (certains y publient même leur premier livre) français et étrangers, avec toujours un esprit d’ouverture « en même temps que son exigence à interroger le fait poétique » (in Dictionnaire de Poésie de Baudelaire à nos jours, sous la direction de Michel Jarrety, PUF, 2001).
Nous voudrions développer notre projet éditorial en proposant aux lecteurs une formule nouvelle qui leur permette de découvrir la poésie contemporaine de manière privilégiée tout en encourageant un esprit certain de résistance aux pressions économiques et culturelles qui tendent à marginaliser la poésie.
Nous aimerions aussi réconcilier les poètes et les lecteurs (sans renoncer à l’exigence que requiert la poésie) en donnant à ces derniers quelques clés de lecture pour aborder des oeuvres souvent abruptes, en leur présentant l’itinéraire des écrivains qui sont publiés (par des entretiens, notamment), en leur permettant de « sponsoriser » un livre de leur choix (leur nom sera inscrit à la fin de l’ouvrage), enfin, en offrant à chaque abonné la possibilité de recevoir, dès leur parution, les livres dédicacés.
La collection est dorénavant hébergée par les éditions L’Act Mem (Henri Poncet éditeur) qui la diffuseront sous leur « enseigne » dans toutes les bonnes librairies.

 

Dans cette collection, seront publiés cette année :

 

en mars 2008 :
•Dominique Quélen : Comme quoi
L’auteur vit dans le nord de la France. Ce livre est en quelque sorte le troisième tome* d’une oeuvre qui a frappé tout de suite par son originalité, sa façon particulière de tout mettre à nu, surtout la poésie, par ses célibataires appliqués. C’est un texte qui dessine une désillusion nette sur le monde et les paroles qui construisent notre réel. Désillusion au sens propre.
* Après Petites formes et Sports, chez Apogée.
« Ce sont à chaque fois des énigmes qui commencent et finissent de la même façon : un bout de phrase parce qu’on les prend en route, une absence de point final pour signifier que ça se prolonge. Des énigmes d’une dizaine de lignes, dont chacune ne dépasse guère la dizaine de syllabes, et où l’on retrouve d’une manière récurrente, une parenthèse avec une phrase en italique et quelques signes de ponctuation, qui se déplace comme la bulle d’air qui provoque l’embolie. Le tout évitant que l’écriture soit contaminée par les tics de la versification ou du discours ».
Gérard Noiret, article paru dans la « Quinzaine littéraire »

 

•Cid Corman : Vivremourir, précédé de Lieu
Cid Corman est né le 29 juin 1924 à Roxbury, près de Boston, Massachusetts, USA. Il est mort le 12 mars 2004 à Kyoto, où il habitait depuis1958.
« Cid Corman était d’abord un poète, son oeuvre maîtresse est OF, un ensemble de cinq volumes, chacun composé de cinq parties, dont les trois premiers volumes sont parus sous une couverture de Sam Francis. Il a été aussi l’éditeur d’Origin, revue essentielle de la poésie moderniste américaine. Et il n’a cessé de traduire, du japonais, de l’italien et du français. Notamment Francis Ponge (Things paraît simultanément chez Mushinsha à Tokyo et Grossman à New York en 1971), René Char, Philippe Jaccottet, Jean-Paul de Dadelsen, André du Bouchet, Jean Daive, Claude Royet-Journoud… Danielle Collobert lui a dédié Il donc. Ce poète américain a, entre autres, joué un rôle pionnier dans la re-création d’une poésie orale, improvisée. » Laurent Grisel

 

en automne 2008 :
•Olivier Goujat : Cerne
Ce sera ici le premier livre publié d’un auteur qui d’emblée affirme un espace, une parole où l’autobiographie est traversée pour aboutir à une beauté mate, qui découvre comme l’intimité de notre rapport à la langue…maternelle — toujours tout autre, inconnue comme l’approche de ces êtres qui naissent et laissent sans mots. Il y a une lente approche de l’intérieur d’un temps où le poème pourrait trouver sa vraie nécessité.

 

•François Rannou : contretemps paradist
(avec un cd de lecture, musique d’Aurélien Dumont)
« François Rannou poursuit une expérience singulière en ce qu’elle semble arracher le poème à ses périmètres coutumiers pour lui donner une sorte de volumétrie, de spatialisation débordant la page. La page, en tout cas, n’a plus de sens unique et l’oeil est appelé à y circuler selon les virtualités d’une chorégraphie verbale. » Jean-Baptiste Para
« Il y a (et c’est venu du plus lointain de Lévinas), il y a quelque chose qui coule de source, remonte le temps et nous arrive, autrement que dans le cours ou dans la course du temps. C’est bien une autre nature qui ici se dit, et nous parle librement de cette liberté même. » Didier Cahen

détails pratiques en cliquant sur suite de, ci-dessous

Un entretien avec Antoine Emaz (par Tristan Hordé), 2ème partie

Suite de l’entretien de Tristan Hordé avec Antoine Émaz, dont la première partie a été publiée hier sur le site

 

Tristan Hordé : mais à partir du moment où tu dates tes poèmes, cela gêne le montage.

 

Antoine Émaz : c’est vrai, je ne peux pas déplacer les poèmes. Dans Soirs, tu as seulement l’ordre chronologique, reste alors le montage à l’intérieur de chaque poème. Mais dans Os, j’ai croisé chronologie et montage : les poèmes se succèdent avec des dates, mais par les titres j’ai organisé des séries. Donc tu peux lire série après série, ce qui brise l’ordre chronologique ; ce sera la même chose avec Peau, le prochain ensemble.
Les dates, ce sont toujours celles du premier jet. Pour moi, ce sont des repères ; cela permet d’être plus clair quand tu as des références à ce qui nous entoure. C’est aussi lié à la question du temps qui me préoccupe beaucoup. Plus j’avance, plus je me dis que les poèmes c’est ce qui reste d’un temps disparu, c’est un peu comme une mémoire.

 

TH : ce serait une poésie-journal ?

 

AE : oui, pourquoi pas ? Avec une réserve : je n’écris pas de poème tous les jours. Disons : le journal d’une vie intérieure dont l’écriture serait discontinue.

 

TH : le journal, en fait, ce sont tes carnets, et les poèmes seraient la mémoire de ce qui est marquant dans ta vie intérieure.

 

AE : oui, juste. J’ajouterais : et que je peux écrire, puis publier. Mais c’est vrai qu’avec Ras, Soirs, Os, De l’air et Peau, cela fait une dizaine d’années de vie intérieure en mots – ou plutôt, ce qu’il en reste.

 

TH : il me semble qu’il y a un mouvement progressif depuis tes premiers textes pour accorder de plus en plus de place à la vie intérieure. Rien, par exemple, sur la vie du corps.

 

AE :cela dépend ce que tu entends par là ; le corps, la sensation est très importante pour moi ; par contre, le sexe est écarté comme, plus généralement, tout ce qui est sentimental. Cela tient à la timidité et à la pudeur, à l’interdit moral aussi – vieillerie d’éducation ! Et d’autres en parlent bien mieux que je pourrais le faire. Une dame me demandait pourquoi je n’écrivais jamais de poèmes d’amour – mais simplement parce qu’il n’en vient jamais dans les carnets. Reverdy affirmait que l’on n’écrit qu’à partir du manque : je crois que c’est vrai pour moi. Donc pas de poèmes d’amour serait plutôt bon signe… pourvu que ça dure !
Sans rire, et plus généralement, quand je veux écrire à partir d’un sujet donné, je n’y arrive pas. J’ai tenté d’écrire pour Jean Marcourel, mort il y a peu de temps, qui était un très bon ami ; après plusieurs tentatives de poèmes, je les ai associées et j’ai abouti à un texte qui se tient à peu près. Alors que le visage de Jean me revient en tête très souvent, quand j’allume une cigarette ou bois un verre. C’est compliqué. Pour que l’émotion devienne maniable, faut attendre.
Avec les notes dans le carnet, c’est différent ; il y a énormément de perte mais l’accès reste ouvert, même pour ne rien dire que la météo du jour, la réaction à une nouvelle, le flux du quotidien…

 

TH : dans les Carnets de Du Bouchet, les notes sont très souvent des poèmes.

 

AE : très différent ; il y a chez lui une écriture qui est poétique d’entrée, même quand elle a un enjeu réflexif ou de pensée ; les trois volumes sont très beaux. Dans sa prise de ce qu’est le réel dehors, que ce soit la montagne ou la lumière, il a une saisie d’ordre poétique. Sa note est un résultat, si tu veux ; il marchait beaucoup, et je crois que c’était un temps de mûrissement ; ensuite, il s’arrêtait et notait. Giovannoni travaille également comme ça : il me disait qu’il peut avoir un livre en tête pendant six mois, qui mûrit, et à un moment il s’enferme et l’écrit.

Ce n’est pas du tout de cette manière que je travaille. Il y a peut-être une maturation qui se fait, mais c’est plus une émotion qui déclenche de l’écriture et ensuite je travaille. Il y a une matière brute, un matériau d’ordre poétique mais très grossier ; tu verrais les premières versions … Ce que je veux c’est avoir de la masse, il y en a trois fois trop mais peu importe : le lendemain je sais que je vais en enlever. Je vais jusqu’au bout de la force qui me porte ; quand cela s’arrête j’ai écrit 4, 6, 10 pages de carnet, et ensuite je reprends pour élaguer, élaguer, élaguer encore, pour aboutir à une sorte de noyau, à la force qui était vraiment en jeu mais que je ne voyais pas nettement en l’écrivant.

 

TH : à propos de ce travail d’élagage, pourrait-on revenir à ton souci des mots brefs. Tu disais que tu les préférais parce qu’ils sont plus simples, mais ils ne le sont pas : quand tu parles du rien ou de la boue, il n’y a aucune simplicité, non ?

 

AE : c’est vrai. Ce que j’aime bien, c’est une sorte d’épaisseur de sens dans un minimum de son. En plus, les mots que j’aime utiliser, comme rien, boue justement, sont la plupart du temps très usés - usés par le temps, par leur usage courant. Ils ne brillent pas, ils sont comme délavés à force d’avoir été utilisés par tout le monde dans la vie quotidienne ; il y a une profondeur du banal qui m’intéresse beaucoup. Je crois qu’on peut aller au plus profond de soi, ou de sa méditation sur la vie, sur la mort, avec des outils très simples.
J’aime bien aussi employer ces mots parce qu’ils offrent souvent la possibilité d’un double sens, d’une double lecture. Par exemple, « la vie dure ». Et puis, je n’aime pas quand il y a trop de musique ; je peux admirer quelqu’un comme Claudel dans ses vers ou son théâtre, mais ce n’est pas du tout ma direction, j’ai besoin de choses plus resserrées.

 

TH : quand on te lit, grâce à ces mots usés, on a l’impression que rien ne se passe ; il faut être attentif et respecter ta ponctuation, tes blancs, tes arrêts : à ce moment-là, les mots se chargent, comme une batterie se charge. Je pense au Reverdy de La Lucarne ovale, des Ardoises sur le toit…

 

AE : oui, et en cela je dois certainement quelque chose à Du Bouchet et à Reverdy. L’idée que le blanc te permet de charger un mot qui, sinon, resterait inerte, c’est tout à fait juste. Le blanc, c’est la résonance du mot, ce qui lui donne du relief. Dans les livres de Reverdy, au moins jusqu’aux Cravates de chanvre, on est à ce sujet dans quelque chose qui continue de nous interroger dans le contemporain.

©Tristan Hordé pour l'entretien et la photo

Anthologie permanente : Jacques Ancet

Pour saluer la parution, coédition Ecrits des Forges / le Dé bleu (l’idée bleue) de Entre corps et pensée, de Jacques Ancet, recueil anthologique composé par Yves Charnet.

Je rappelle que Jacques Ancet est poète, traducteur, inlassable passeur de poètes de langue espagnole essentiels comme Antonio Gamoneda, Juan Gelman ou José Angel Valente, parmi bien d’autres.

On peut suivre son travail de poésie et de traduction sur son blog, Lumière des jours

 

 

Je cherche ce que je ne trouverai pas
je le sais mais je cherche
car dans chercher il y a trouver
comme un arbre sans son ciel
comme un chemin sans son terme
qui avance et chaque pas
le recommence
et il te mène vers ce qui vient
et recule et t’appelle et te
déchire comme le jour déchire la nuit
ou est-ce l’inverse
ou est-ce le temps
qui me coule des yeux
et c’est pourquoi je ne vis
rien devant rien derrière je marche
sur un fil au milieu du jour je
vacille je heurte
un morceau de lumière

 

25 juin 2002

 

•

 

la fatigue a des couleurs
comme les saisons. Elle a
ses douceurs et ses éclats,
ses silences. Mais surtout
ce qu’elle permet de voir :
d’une chose à son image,
imperceptible, une sorte
de distance sans distance.
L’incertitude du monde.
Comme un vacillement bref.

 

Jacques Ancet, Entre corps et pensée, coédition Écrits des Forges / le Dé bleu (l’idée bleue), 2007 pp. 133 et 79

 

Jacques Ancet dans Poezibao
Note bio-bibliographique
extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4 (Diptyque avec une ombre), extrait 5
un texte de JA sur La dernière phrase,
fiche lecture de la Dernière Phrase, ,
le blog de Jacques Ancet,
sur la poésie (blog),
une lecture de Juan Gelman (séminaire du PIAL),

 

 

Articles de Jacques Ancet dans Poezibao :
Le poème, son milieu est le langage
Pourquoi cette irritation à écouter…
Écrire, c'est entrer en contact avec quelque chose de très lointain
Comment parler de cette sorte de bouillonnement vague et d’insatisfaction sourde
Antonio Gamoneda

 

index de Poezibao
Revenir à la Une de Poezibao

 

Sur simple demande à [email protected], recevez chaque jour l'anthologie permanente dans votre boîte aux lettres électronique

Zéno Bianu, Maïtreyi et Nicolas Pesquès, Martin Rueff à la Maison de la Poésie de Paris

Depuis octobre 2007, la Maison de la Poésie propose La république des poètes, une rencontre mensuelle conçue et animée par Marc Blanchet.
Ces revues parlées suivent l’actualité poétique (publication de livres et de revues, hommages et anniversaires, présentation de jeunes auteurs, etc.).
À chaque nouvelle république, les trois invités qui sont à l’honneur, lisent des extraits de leur œuvre. En fin de rendez-vous, de nouveaux coups de cœur récemment édités sont présentés.

 

Maison de la Poésie Paris – Foyer
Mardi 18 décembre à 19 h
La république des poètes # 3
Conçue et animée par Marc Blanchet

 

Poètes et traducteurs

 

Avec Zéno Bianu, Maïtreyi et Nicolas Pesquès, Martin Rueff

 

Zéno Bianu vient de traduire avec Corinne Atlan Haïkus du XX^ème siècle (Poésie/ Gallimard). Il nous lira également des extraits d'oeuvres récentes et nous parlera de ses projets en cours avec la Maison de la Poésie.
Maïtreyi et Nicolas Pesquès seront présents à l'occasion de leur traduction de Si riche heure de la poétesse américaine contemporaine Cole Swensen aux éditions Corti. Nicolas Pesquès publie aussi deux nouveaux livres chez André Dimanche éditeur.

Martin Rueff publie également un recueil de poèmes sur le Mythe d'Icare chez Belin et a récemment traduit le poète italien Eugenio de Signoribus éux éditions Verdier, un ouvrage intitulé Ronde des convers.

 

Entrée libre (sans réservation) dans la limite des places disponibles

 

Renseignements et location
01 44 54 53 00 (du mardi au samedi de 14h à 18h) www.maisondelapoesieparis.com

Un entretien avec Antoine Emaz (par Tristan Hordé), 1ère partie

Poezibao publie en trois fois un entretien que Tristan Hordé a mené avec Antoine Émaz le 9 mars 2007

 

Tristan Hordé : on pourrait commencer par distinguer dans tes publications les livres d’artistes des autres ensembles ; pourquoi les livres d’artistes, assez abondants ?

 

Antoine Émaz : si tu veux, mais pour moi rien n’est séparé dans mon travail : au bout, tout se tient, ou ce serait bien que tout se tienne, aussi bien un livre d’artiste en cinq exemplaires qu’un poche. Un des avantages du livre d’artiste, c’est qu’il ne comprend d’ordinaire qu’un poème. C’est plus rapide d’exécution, ça n’engage pas des fonds importants, donc cela écourte le temps entre l’écriture et la réalisation du livre. Il y a donc un plaisir de la vitesse. Autre chose : j’aime travailler dans des espaces différents ; l’espace du livre « normal » est toujours un peu le même, alors que le livre d’artiste surprend : je pense à Petite suite froide, avec Anik Vinay, la version papier fait 4 à 5 centimètres de large et 20 à 25 de haut ; il y a là une contrainte d’espace intéressante. De plus, souvent, je donne un texte et l’artiste intervient comme il veut, dans ce cas, je peux mal deviner ce que sera le livre. J’aime cela, cette surprise. Et puis, dernier point, j’aurais vraiment aimé être peintre ; il y a sans doute dans ce travail comme la compensation d’un vieux désir. Je vis dans les lignes, dans l’espace progressif de la lecture, l’artiste, lui brasse toute la page, d’un seul tenant, je l’envie beaucoup pour cela.

 

TH : tu parles de ton rapport au livre d’artiste, mais c’est un peu frustrant pour beaucoup de lecteurs, qui ne peuvent pas acheter ce genre de livres. D’ailleurs, on ne sait même pas la plupart du temps que tel livre est sorti.

 

AE : cela ne m’a jamais gêné. Pendant des années, je me suis dit que les gens pouvaient les lire, les regarder quand il y avait une exposition. Dans l’anthologie parue, Caisse claire, où j’ai repris 7, 8 poèmes tirés de livres d’artistes, ils ont à nouveau une existence. Mais c’est un peu frustrant, du fait que l’artiste a disparu ; il reste une note, on signale que le poème est paru avec l’intervention de tel peintre, et c’est la seule trace de la collaboration. Dans le livre d’artiste, le poème était dans le lieu, l’espace que nous avions décidé, il existait là. Dans l’anthologie, il n’est plus vraiment dans sa maison, en quelque sorte.
Sur la question de l’élitisme, que tu soulèves, c’est vrai que le livre d’artiste grand format, emboîtage, petit tirage… a toujours été cher, mais je crois que la situation a évolué. Dans les années 1980, tu avais encore des gens prêts à dépenser 3 ou 4000 francs de cette époque pour acheter un livre, maintenant c’est plus rare. Tu as des amateurs pour des livres autour de 100 euros, des livres d’artistes plus légers – par exemple quelques gravures ou un dessin, et quelques pages de texte. Ou encore, tu as des lieux comme les Petits classiques du grand pirate, Ficelle, Le temps volé… qui se placent résolument dans une logique du livre illustré accessible au plus grand nombre…

 

TH : tu distinguerais un ensemble de poèmes qui peut être lu dans une certaine continuité et le poème isolé…

 

AE : ces poèmes isolés, pour moi, existent dans l’espace ménagé par l’artiste, qui fait partie de leur identité. Dans Caisse claire, c’est la première fois que je sors de leur espace des poèmes pour les déplacer dans un autre ensemble. Et ce n’est pas moi qui ai décidé ; François-Marie Deyrolle m’a dit qu’il montait l’anthologie de cette manière et j’ai accepté. Il voulait, à partir de tout ce qui avait été écrit au cours de cette période, donner à lire un maximum de choses.

Dans le livre d’artiste il y a la trace d’une forte collaboration, alors que dans Caisse claire je suis tout seul. Quelque chose change. Peut-être que cela ne manque qu’à moi. Mais ta question me semble rejoindre celle des plaquettes : oui, j’aime bien qu’un poème, ou un petit ensemble de poèmes ait son lieu propre.

 

TH : mais si le poème est lu, qu’il le soit à partir du livre d’artiste ou dans l’anthologie, quelle différence ?

 

AE : aucune – sauf que le poème n’est pas fait pour être lu à voix haute, mais pour être dans sa page, dans son espace de papier. La voix haute n’existe pas dans mon travail, je suis toujours dans la musique intérieure, dans la musique de tête. D’ailleurs je ne voulais pas lire mes poèmes. J’ai passé le cap grâce à la pression amicale de Djamel Meskache¹, mais aussi parce que j’ai entendu mes poèmes lus par un acteur et j’ai trouvé que ce n’était pas bon. À partir de ce moment-là, je me suis dit, il faut y aller ! Je peux oraliser le poème, mais c’est tout, le poème n’a pas besoin d’autre chose. Je me démarque complètement de poètes pour qui la performance fait partie du travail.

 

TH : la lecture à voix haute empêche d’embrasser du regard l’ensemble du poème, oblige à être attentif aux blancs, au découpage.

 

AE : ce sont deux versants possibles, pas exclusifs l’un de l’autre, l’œil ou l’oreille. Pour moi, l’œil est nécessaire, l’oreille est possible. Quant au découpage, il se fait dès le premier jet, sans que je sache pourquoi cela passe par de la prose ou des vers. Ça doit dépendre de la force motrice du poème qui décide de la pente que l’ensemble va prendre. Ensuite je ne change jamais, mis à part le travail de menuiserie. Dans le détail, oui, cela bouge, il peut y avoir cinq ou six versions successives, beaucoup de corrections, mais pas dans la forme de l’ensemble : je ne suis jamais passé d’un premier jet en vers à une finition en prose, par exemple.

 

TH : je pense à un poème très ancré dans la réalité, Tours [autour de la destruction des tours du World Trade Center, le 11 septembre 2001], dans lequel le découpage en cellules interdit, me semble-t-il, le récit. Il y a bien un déroulement dans le temps, mais les blancs introduisent constamment des ruptures. Je ferai la même remarque à propos de tes réflexions sur l’écriture, dans Lichen, lichen.

 

AE : d’accord avec l’idée de rupture - et qu’il y a quand même du temps. Plutôt que narration interdite, je dirais qu’elle ne se fait pas. C’est très vrai à l’intérieur des poèmes et parfois à l’intérieur d’un livre. Par exemple, dans Entre², ça commence au printemps et ça se termine au printemps suivant ; il y a bien une chronologie mais le temps est segmenté. Cela doit correspondre à une forme d’esprit parce que c’est en effet la même chose dans la réflexion théorique ; j’ai beaucoup de mal à dépasser deux ou trois pages, je n’arrive pas à construire une démonstration. Dans ma thèse sur Reverdy, je me suis obligé à écrire pas mal de pages pour faire le nombre voulu, mais je me suis forcé la main pour atteindre une norme, construire et planifier. Pour moi la pensée, comme la vie, est discontinue – une pensée, puis une autre. C’est ce que je retrouve chez des penseurs du XVII^e siècle, Pascal ou La Rochefoucauld. Une forme un peu en miettes.

 

TH : La forme des moralistes… Mais il y a un côté moral chez toi ?

 

AE : je défendrais bien ça. Une certaine forme de morale, même si ça n’est pas très bien vu en poésie. Mais il faut s’entendre sur le terme « morale » : si on le comprend comme une certaine façon de se tenir face à la vie, cela ne me fait pas peur de prendre le poème sous cet angle-là. Le poème en quelque sorte aboutit à une forme de morale, sans qu’il y en ait au départ. Si tu veux, je n’écris pas du tout pour « faire la morale », mais j’arrive souvent à une attitude, une façon de « conduire sa vie », comme l’écrivait Pascal

 

goût de la forme lapidaire…

 

AE : dans la brièveté, c’est l’idée de condensation qui m’intéresse : en un minimum de mots, un maximum de sens. Le travail sur les poèmes consiste toujours à enlever, jamais à ajouter. La matière au départ dans mes carnets est toujours trop importante, il faut supprimer. Même chose au niveau des mots : je cherche systématiquement les mots les plus courts. Plus cela tend vers le monosyllabe, mieux c’est. Tu ne liras pas des adverbes en –ment : trop longs ! Pas un mot trop abstrait non plus ; pas im-bé-cil-li-té mais bê-ti-se… Aller à ce qui est à la fois le plus simple et le plus court. Cela s’est fait progressivement, avec les années, sans que je le veuille vraiment. J’ai une manière de faire, pas d’art poétique construit au sens où l’on dirait qu’un poème devrait se faire comme ci ou comme ça. De la pratique avec un certain savoir-faire acquis avec le temps. Je constate qu’à choisir entre deux mots c’est toujours le plus bref qui s’impose. Pas de volonté, c’est plutôt de l’ordre de la pente, ou de l’intuition.

 

TH : je pense aux carnets de Reverdy, pour qui il y avait également un savoir-faire.

 

AE : oui, les notes de Reverdy, c’est une partie de son œuvre que j’ai toujours défendue, que je continue à lire. C’est une forme qui m’a marqué ; la pratique du carnet, de la note, de l’écriture discontinue me vient à la fois de Reverdy et des moralistes. Un texte long comme un article ne me convient pas trop, je préfère sauter d’une idée à l’autre sans suivre un fil.

 

TH : tu suis un fil d’une façon différente, c’est au lecteur à effectuer un montage.

 

AE : il y a bien l’idée de montage, d’assemblage qui est importante, notamment d’ailleurs pour les poèmes. Une page est constituée de microséquences et le poème lui-même est formé de plusieurs pages. Je réfléchis beaucoup à ces séquences au moment de la reprise. Cela peut m’arriver de bouger ce qui était au départ, dans le carnet. Mais il reste au lecteur une part de travail, tu as raison, un effort de connexion et d’appropriation. De même pour moi, au départ : je dis souvent que ce n’est pas moi qui écrit un poème, mais qu’il s’écrit à travers moi.

 

TH : ce n’est pas très clair !

 

AE : cela veut dire qu’il y a une sorte de dictée de mots. Quand j’écris le premier jet, il n’y a pas de réflexion, de maîtrise ; moins j’interviens, mieux c’est. Je suis une sorte de pente qui s’organise malgré moi et la réflexion n’intervient qu’ensuite. Donc, une matière première assez grossière, assez mal fichue. Quand cette espèce de dictée de mots s’arrête, je ferme le carnet. Le lendemain, deux semaines après, je le rouvre avec mes outils.

 

TH : on remplace sans peine dictée de mots par inspiration.

 

AE : [rire] mais le mot est trop long ! ins-pi-ra-tion, quatre syllabes ! Sérieusement : il y a un côté magique dans inspiration qui ne me semble pas juste. Cela vient d’en haut ! Chez moi, non, plutôt d’en bas ou d’à côté…
Je ne sais pas ce qui décide de la venue d’un poème et cela m’intrigue toujours. Tu parlais de Tours ; dans d’autres poèmes c’est le monde immédiatement autour de nous qui est en jeu. Pourquoi certains événements déclenchent un poème, alors que d’autres – par exemple la Tchétchénie – n’en ont jamais déclenché, alors que ma révolte est la même devant ces événements. Comme s’il fallait qu’il y ait à la fois un événement qui me bouleverse et que je sois prêt à écrire ; c’est cette articulation-là qui enclenche l’écriture. De là des périodes longues où le carnet reste fermé. Les premières années, je me suis parfois dit que je n’écrirais plus du tout ; je suis complètement dépendant de cette venue du poème sans que je la décide.
La pratique de James Sacré est très différente dans son dernier livre, Broussailles³ : il a décidé d’écrire sur cette question « vers ou prose », il a un projet de livre, il tisse des motifs. Chez moi, il n’y a jamais de décision, de projet de livre. Le plus construit de mes livres, si l’on peut dire ! c’est Entre ; quand j’en étais à peu près à la moitié, je me suis aperçu que j’écrivais continuellement sur le jardin, donc j’ai fini le livre dans le même mouvement, pas du tout voulu au départ.
Comme mes livres ne sont pas vraiment construits, j’ai fini par m’en sortir en introduisant des dates dans les derniers parus.

suite de cet entretien demain

©Tristan Hordé pour l'entretien et pour la photo d'Antoine Emaz

---

1 Djamel Meskache dirige avec Claudine Martin les éditions Tarabuste qui ont publié plusieurs recueils d’Antoine Émaz.
2 éditions Deyrolle, 1995, repris dans Caisse claire, Points/Seuil, 2007.
3 James Sacré, Broussailles de prose et de vers, éditions Obsidiane, 2006.