Poezibao

(Note de lecture), Christian Doumet, Segalen, par Isabelle Baladine Howald

 

 

Stèle pour Segalen

A qui pense-t-on quand on est en partance depuis le port de Marseille vers l’Orient ?
A « Rimbaud » nous dit Christian Doumet, Rimbaud mort à deux pas de là en 1891, mort à 37 ans, à peine plus jeune que Segalen qui meurt à 41 ans en 1919.
Victor Segalen attend son bateau qui l’emportera trois fois en Chine et bien d’autres fois ailleurs.

Il y a deux cœurs dans ce livre, l’un c’est l’amour de l’Orient, certes commun à nombre de poètes et écrivains de cette époque, l’autre c’est la force du lien entre Claudel (lui même voyageur et consul de France dans ce pays) et Segalen, grand lecteur de Connaissance de l’Est. Ils se rencontrent en Chine. On passera de l’un à l’autre durant la traversée du livre, centré sur la figure de la « chimère » qui se métamorphose entre le jeune âge et la maturité.
Christian Doumet, directeur de l’édition des Oeuvres de Segalen dans la Pléiade, poète lui-même, et auteur du très fort L’Évanouissement du témoin (Arlea, 2019) a écrit là un livre magnifique, dans un style d’une grande force et d’une beauté lyrique violente, et c’est aussi une excellente introduction si l’on connaît peu Segalen.
La grande amitié entre Segalen et un autre voyageur rencontré sur place, Gilbert de Voisins, se nourrit de leurs différences, la délicatesse du premier et la sauvagerie du second :
Comme le dit Christian Doumet « il y a du loup : de la meute » en Segalen, jamais tranquille, toujours sur le départ :
« …on n’achève pas un livre à dos de cheval. On continue parce que la bête avance, qu’on a tout autour de soi un barda dont il faut suivre l’emportement. Parce que la bête avance et qu’elle a raison qu’on ne connaît pas, et que jamais elle n’achoppe.
Il pense : je sais ce que je rêve et je sais ce que j’abandonne de mon rêve. C’est la perte qui mène les livres. » Il cherche sa chimère, pas tout à fait dupe.
Ils photographient ensemble, accompagnés du fidèle guide, cuisinier, organisateur et facilitant toutes les tâches de ce genre de voyages, Yang. Mais ils voient d’un oeil différent ces énigmatiques statues de bois, les fameuses Stèles, la masse d’une tortue, la vision du cheval ailé, émergeant d’un trou dans la terre. L’un rêve, l’autre affronte, ils sont complémentaires. Ce choc physique et visuel donnera Stèles. Mais Segalen est au fond un terrien, ce n’est pas la métaphysique qui l’habite mais la terre, et lui veut l’habiter aussi. Il y a parfois comme du bateau ivre dans certaines strophes de Stèles. Et parfois le Camus de Noces dans cet amour de la terre sèche tel que l’écrit Christian Doumet. Car c’est l’écriture qu’a choisie Segalen.
Le temps, le paysage par la terre et l’eau, survolé par les oiseaux, la compagnie de quelques hommes, voilà les grands thèmes. Il n’est pas question dans ce livre de la vie sentimentale de Segalen, marié et père.
A la même époque, un autre homme aimant la nuit, un autre hibou nous dit Christian Doumet qui sait les affinités électives, voyage dans sa chambre aux murs recouverts de liège. Son aventure est toute intérieure, pas moins merveilleuse, c’est la recherche du temps perdu.
Au fond, Segalen et Proust cherchent la même chose.
Mais c’est Claudel, de dix ans l’aîné de Segalen, qui sera son véritable correspondant en tout. Une scène étrange racontée par l’auteur : déjeuner où figure un troisième convive qui se sent exclu et qui de fait l’est, le futur St John Perse, qui ne tient pas le coup face à ces deux routards de la prose comme de la poésie à grand souffle. Thibet, dit Christian Doumet « est ce poème heurté qui vibre tout entier de la violence d’un choc. »
Segalen a des airs de prince, on ne sait pas ce qu’il pense. Mais derrière le beau front haut, se cachent des tempêtes que Christian Doumet nous fait apercevoir dans ce texte très habité.
Et quand la mort arrive, si tôt, trop tôt : « C’est là que la Chimère se présente à lui.
C’est là qu’elle vient dresser son muffle, retrouver ses naseaux fulminants, onduler ses mille ressorts fabuleux autour de la chambre de verdure. » Que vit-il ? Le cheval ailé ? Une ombre de pierre ?
C’était juste une légère blessure à la cheville, un peu de sang arrêté par un garrot par Segalen lui-même, mais la morsure fut définitive. Et ce livre est un très beau livre.

Isabelle Baladine Howald

Christian Doumet, Segalen, Arlea, 2022, 97 p, 9 €


 « Il leur faut des objets à poursuivre : un bonheur qui va toujours devant.
Les armes, les oiseaux, n’y feront qu’un temps. Le désir est plus large, de choses rebelles qu’on traque et force hors de leur gîte : montagnes, tumulus et les pans effondrés de la grande muraille, stèles, chimères. Les stèles surtout, portées sur le dos de tortues de pierre qui signifient quoi, mais s’en vont broutant la terre, ruminant le temps qui veut quoi, qui devient quoi tandis qu’autour les labours se poursuivent, les ancien blés s’écaillent et sèchent, paille, paille couchée. Une tortue redresse son cou sur l’étendue, sorte de racine obstinée, revêche et encore drue à quoi se prendre le pied, se blesser la cheville, tout au moins le regard qui naturellement s’attache aux deux yeux globuleux rivés de chaque côté du bec, soucieux de ce poids pour des siècles en équilibre sur une carapace. : stèle. »

(Note de lecture), Yves Teicher, J'ai dans le sang, par Jean-Claude Leroy

J’ai dans le sang
Et au travers de la gorge
Un phrasé Be-bop
Qui d’une cave enfumée
Est venu se faufiler jusqu’à moi
Oui !

Ce n’est qu’après sa mort qu’Yves Teicher (1962-2022) apparaît plus largement comme poète. On le connaissait comme un musicien de jazz épris de la poésie de Rimbaud aussi bien que de la musique de Charlie Parker, auquel il consacra une mémorable séance d’enregistrement (cf. Yves Teicher plays Charlie Parker, CD Intégral Classic, 2005). Il interpréta sur scène Une saison en enfer d’une manière fort expressive et soulignant de son libre violon l’extra et folle lucidité de l’enfant de Charleville. Il fut aussi l’ami du poète André Laude, auquel il rendit hommage à plusieurs reprises.

Nourri des accents rimbaldiens, mais aussi de Charles Cros et de Germain Nouveau, ou encore de Max Jacob et de Charles Trenet, il s’était mis à travailler l’écriture comme il avait travaillé son instrument, avec un acharnement de découvreur. Des origines catholiques et italiennes par sa mère, amie de nombreux artistes, dont certains jazzmen de grand talent ; juives et roumaines par son père, révolutionnaire d’ascendance trotskyste et pataphysicien de choc. Son enfance liégeoise à la fois misérable et pittoresque lui laisse de vibrantes nostalgies, si bien qu’il donne à ses vers la couleur du merveilleux, accolant des ailes à la souffrance, comme pour voler dans les airs avec elle. En tout cas, cette capacité d’émerveillement sera une grande force pour Yves Teicher, par ailleurs aux prises avec le monde froid d’un carriérisme qui lui restera étranger. Mais la révolte et la rage furent également au rendez-vous, d’où cette veine libertaire indéfectible et revendiquée ; sa poésie marie le jazz et la rêverie, la révolte et la sensualité, elle jaillit comme une voix déchirante qui surgirait du pentueux quartier de Pierreuse où il a grandi et aimait retourner

Qu'ont-ils donc tous ces robots,
Ces gens qui marchent dans la rue,
Les yeux délavés,
Boutonnés par la peur ?
Je les croise par milliers
Ces anciens enfants
Qu'ont-ils donc à donner d'eux-mêmes
Un spectacle aussi navrant ?
Plus de nez ni d'oreilles,
Plus de corps, de sexe vrai !
Plus de soleil levant, de soleil couchant,
Plus d'étoiles, d'aurores…
Dans leurs veines coule un sang vicié !
 [p. 35]

Une poésie qui pétille comme une remémoration, c’est que l’auteur dispose d’un imaginaire saturé d’impressions fortes et d’étonnements jamais dilués, il fait surgir les mots et les aligne simplement, dévoilant un panorama où scintillent les douleurs et les joies arrêtées sur la page. Redeviennent présentes des séquences très probablement vécues, à la lettre ; avancer dans un tel recueil c’est ouvrir un à un les tiroirs d’une chambre ouverte sur le monde, le monde profus et paralysant des grandes personnes, qu’il faudra vaincre ou séduire, pour conserver intactes les prérogatives de la sensibilité.
Des tableaux de vie d’une grande fraîcheur, innocence parfois marquée de noir, mais un regard qui illumine et confère aux choses les plus quotidiennes, les plus naturelles, une aura qui rehausse le prix de l’existence. Un recueil unique, il n’y en aura pas d’autres, c’est un tombeau fabriqué par celui qui repose sous la dalle. Préfacé par son ami et complice Georges Boukoff, le volume se clôt sur une adresse de Nathanaël, un des enfants d’Yves Teicher, qui rend ici un bel hommage à son père. À propos de son écriture, il rappelle à juste titre que « c’est une poésie écrite pour être récitée, chantée, criée… »

Jean-Claude Leroy


Ma langue de feu tenue secrète.
Au fond des arômes
            Des abîmes.

Des feuilles de lierre, auréolées de sang séché.
            En dessous du presbytère
S’agrippent à la brique
À la morgue

Dans la saveur des premiers rayons blancs
Sur son flanc danse la java
[p. 67]


Yves Teicher, J’ai dans le sang, éditions L’Harmattan, 148 p. 2022, 16 €.

(Note de lecture), Olivier Domerg, La Verte traVersée, par Jean-Marc Pontier

Après le Manscrit, Olivier Domerg poursuit sa patiente analyse du paysage. La couverture de son dernier opus, La Verte traVersée, en résume la teneur poétique : la photographie de Brigitte Palaggi donne à voir un paysage pluvieux balayé par un essuie-glace invisible. La plaine arborée s’en trouve déformée, comme indiquant par la flèche inclinée des arbres le sens à suivre. Sur le tableau de bord, une carte routière dépliée : la version cartographiée de cette région du Cantal que Domerg soumet à son expertise de topographie poétique.
La Verte traVersée se compose de vingt chapitres, dont l’ultime est constitué des photographies de Brigitte Palaggi, complément plastique clôturant le périple cantalien des deux complices. Ciels lourds de nuages surmontant des vallées où sinuent de fins ruisseaux, monts et puys encore enneigés et prairies à l’infini. Et en images comme en textes, du vert et encore du vert. Car du renouveau chlorophyllien printanier Olivier Domerg fait son principe premier, sa déclinaison, son nuancier poétique.
La grande nouveauté de ce nouvel opus est d’ordre formel. Olivier Domerg fait son Maurice Scève en optant pour le dizain. Ce qui fut au départ un jeu poétique commandité par Pierre Vinclair est devenu un parti-pris, une approche que l’on sent jubilatoire par l’éclatement que fait subir le poète à cette forme carrée (10 vers en décasyllabes). Si les rimes interviennent de manière aléatoire, les rejets et autres enjambements (parfois d’un poème à l’autre par souci de fluidité) s’émancipent de la stricte prosodie du modèle Renaissance. Reste le « moule » qui marque l’ouvrage d’un tempo régulier. À se demander si cet « assemblage » des « prés » qui « tricote à l’envi des motifs esthètes » ne fonctionne pas comme une métaphore du livre lui-même, une suite de dizains offerts à notre regard comme les près qui jalonnent le paysage. Olivier Domerg nous le rappelle explicitement : « La poésie n’est pas sans mobile » et « l’herbe est dans le verbe ».
Depuis 2014 Olivier Domerg sillonne le Cantal selon un axe de Saint-Flour à Riom pour ensuite s’égailler au pied des monts et des vaux. D’emblée il relève cette « vérité du vert » qui va frapper le regard. Le vert devient une

Expérience primaire mais inou-
Ïe, qu’au plus intime, l’on ressent !
VERT est ce monde : VERT est ce moment.

Description méthodique des bocages, des haies, des forêts, des ruisseaux mais aussi mention des corps de ferme, Domerg fait le patient inventaire du découpage paysager (« Gloire au cadastre et à son découpage/ À l’enchâssement et au métissage ! »). Déclinaison des espèces d’arbres et de la biodiversité, pluralité des toponymes qui ajoutent à la précision du lieu (Collages, Nozières, Santoire, Drils, Dienne...), nous ne sommes pas dans le cadre d’un rapport éthéré et approximatif à la nature. Il s’agit de désigner autant que de dessiner le paysage, parfois de manière impressionniste (Renoir est cité et, plus loin, le pointillisme par deux fois) de par la juxtaposition des touches descriptives (très souvent colorées, au-delà du vert). Mais c’est plutôt le modèle du « botaniste », voire du « berger » qui prévaut :

Et seuls, le berger ou le botaniste
Pourrait, de tes richesses, « tenir liste » ;
En établir la biodiversité !
Et, de ce « foisonnement manifeste »,
Faire que chaque plante soit citée ;

Jusqu’au référencement des routes empruntées, précisions a priori anti-poétiques qui font du volume une espèce de guide itinérant chiffré (« D 680 », « D3 ») nous menant d’un champ à l’autre, c’est à dire d’un poème à un autre. Rien qui toutefois puisse s’apparenter à quelque rébarbative nomenclature. La photographie du lieu étant faite, le poète s’en empare en toute fantaisie et souvent avec humour. Du « je » au « on » locuteurs au « tu », apostrophe lectorielle autant qu’auto-injonction distanciée, Olivier Domerg joue sur les pronoms, nous prenant tantôt à témoin, resserrant d’autres fois la focale vers un point de vue plus subjectif. Pareillement, le ton est parfois lyrique (« Ô ce velours de la verte vêture (…) ô cette peau d’herbe si nature (…) Ô ces douceurs bombées et retombantes ») mais la réalité locale nous ramène vite à la trivialité. Ainsi « L’odeur de l’herbe et/ De la bouse, celle du lait caillé » et autres « purins odoriférants » côtoient les tentatives d’envolées lyriques teintées parfois d’une touche d’autodérision : « Ô Reverdy ! Candeur de ce cantique ! ». Et si les registres aussi contrastées s’harmonisent, c’est que le verbe fait sens dans son tissage pluriel. Car voilà où nous mène cette « grammaire du Cantal » :

Elle exprime le besoin nécessaire
Que nous avons du VERT, parfois du VERS.

Les vers conclusifs de La Verte traVersée ouvrent ainsi sur deux chemins possibles : le vers cher à Roubaud mais aussi une invitation à aller vers, c’est à dire à initier notre propre road-trip poétique.
En attendant, profitons du vert printanier d’Olivier Domerg : on sait depuis combien l’été se complaît à tout jaunir.

Jean-Marc Pontier

Olivier Domerg et Brigitte Palaggi, La Verte traVersée, éditions L’atelier contemporain, 312 p., 2022, 25 €


1^er Extrait :

J’entame des contre-travaux d’aiguilles,
Détricotant l’ouvrage cantalou,
La « trame paysagère » qui brille,
Par excès de présence, devant nous.
Il y a, d’abord, ce serpentin d’eau claire
Qui incise la moelleuse prairie.
Au bas du coteau, ce chemin de terre, qui, de même, sinue et lui répond.
Puis, les replis du terrain et les rides,
Tout ce qui continue et ce qui rompt »

(p. 49)

2^e extrait :

Après un ‘tunnel voûté’ de feuillus
- Brusque trouée – regarder vers le ciel -
Sur le massif trapu, les aperçus !
Le sifflement par la vitre entr’ouverte
- Cumulus en dérade, azur en toile
De fond – L’air frais – Les bruits de la forêt
Perçus à petite allure – L’enchaî-
Nement des virages, tel un dédale !
Tous ces sapins pités dans le couvert
De la hêtraie – Troncs dressés - « C’est ciel ! »
(p. 194)

(Note de lecture), Jean-Luc Steinmetz, Vers l'Apocalypse, par Jacques Morin

L’Apocalypse selon Jean-Luc Steinmetz. C’est dire que c’est un livre à la fois ambitieux et ambigu. Ambitieux parce que pour se mesurer aux livres sacrés, il ne faut pas manquer d’air et de souffle. Ambigu parce que l’auteur ne cesse de l’affirmer tout au long du volume, il ne fait pas partie de ce monde-là : il se revendique comme athée. Evidemment, il s’est inspiré de près, on peut le dire puisqu’il s’agit de son livre de base, de l’Apocalypse selon Saint Jean. On peut entrer ici dans tout un débat scolastique autour de la Révélation, en passant par la cabale, que je ne maitrise pas du tout (et qui ne m’intéresse guère). Mais Jean-Luc Steinmetz dans une sorte de transe langagière va imiter cette épopée d’un autre temps pour l’actualiser aujourd’hui. D’autant que l’âge avançant, il se sent de plus en plus concerné par la fin qui touche en particulier au monde qu’il vit, dans lequel il est impliqué depuis sa naissance, et qui disparaîtra en tout état de cause avec lui. Il prend quelques précautions avant de se lancer, entre autres avec ces deux vers qui consignent dès la première page un message d’espoir :

Chaque jour apporte, soustrait, redonne
une espérance de haut vol qu’agrandit l’horizon.

Il confesse par ailleurs ce qu’on n’imaginait pas venant de lui :

Enfant, souvent j’ai rêvé d’être un grand footballeur.
Enfin, et pour bien marquer le combat religieux dans lequel il s’inscrit :

Aucune phrase ne sera donnée par le dieu.
Trop tard.
Elle se lèvera plutôt du fond de toi…

On est au cœur de l’orgueil de l’écrivain. Un mot encore à sortir du préambule pour bien prendre la mesure du projet serait celui d’incertitudes. Le livre commence ensuite.

Frapper le tambourin. Agiter le sistre.
Émouvoir la cymbale.

Ce qui frappe, ce sont les chiffres, et rien qu’en reprenant les titres de poèmes : « Les quatre cavaliers », « Le sixième sceau », « Les 7 sonneries », « Les 7 signes », « Les fléaux des 7 anges » … Il y a toute une symbolique qui s’en dégage dont on ne comprend pas toujours l’intérêt ou la portée, mais qui semble donner au texte une véracité et une authenticité qu’il n’aurait pas autrement. Un peu comme cette comparaison qui s’impose d’elle-même :

Un lézard sort, formant comme une preuve
libéré de l’interstice.

Autre élément notable, la présence de deux personnages, récurrents tout au long du volume : Jean, sorte de devancier comparse à qui l’auteur s’adresse de temps à autre en tant que témoin ou complice, et l’Ange, mis un peu à toutes les sauces.

Il se tient méticuleux et sobre, l’ange
pas du tout emprunté par l’infini qu’il porte… 

ici et là :

L’ange, qui n’est qu’image d’hélium,…

Je crois qu’au fond, Jean-Luc Steinmetz a pris un réel plaisir à s’introduire dans ce monde de mystères, de légendes et d’animaux fabuleux, par ce biais littéraire nimbé de croyances et de prophéties… Pour ce faire et pour bien prendre en compte la dimension universelle, cosmique de cette écriture, il va convoquer dans plusieurs longs poèmes de quoi se compose la planète : et d’abord « les peuples », il va les nommer, presque un par un, en recensant les continents, du Nord

quand on attend le phoque près du trou dans la glace
au sud, puis « les villes », citant à nouveau toutes les capitales
 
Dans chacune j’ai posé mon baluchon au carrefour, le paquetage d’un homme qui parcourt le monde
en imagination…

Ensuite « 17 poètes », pour le poète, c’est une autre façon de saisir la terre par l’histoire de la poésie avec cet hommage :

L’Apocalypse plurielle et mienne n’a d’autre idée que de faire arriver encore
et encore ce que trop d’obscurité obombra.

Et lorsque la somme totale de tout aura été saisie, revient cette parole :


Aujourd’hui blasphémant, j’envisage la faute de Dieu
hypothèse qui tient d’un cauchemar climatisé…
e
t il insiste plus loin :
…et n’allez pas croire que je consente au Jugement.
Je sors du tribunal commun, m’en excepte, refuse de porter le poids
du péché comme un foie malade.

En note, l’auteur parle de « dépassement » et c’est bien pour cette affirmation de soi, de l’homme qui prend le dessus, qui triomphe et ne renonce à rien que ce livre cathédrale me semble important et fondateur. Jean-Luc Steinmetz l’a écrit en seulement deux mois, preuve s’il en était besoin de l’urgence de la chose et de la nécessité de faire aboutir ce projet hors du commun… Et pour reprendre les derniers vers de la première page :

Vous regarderez l’issue hors de la membrane placentaire.
A pleins poumons vous prendrez votre respiration
et, d’un élan sans peur, vous avancerez jusqu’au prochain jour.

Jacques Morin

Jean-Luc Steinmetz, Vers l’apocalypse, Le Castor Astral, 2022, 200 pages 15 €.
Couverture de Valère Novarina.


 Extrait, page 20

 En remuant les mots, en les dérangeant de leur place habituelle
qu’exigent les discours civiques
(les fameux instants de sens partagé)
je réponds et ne réponds pas,
je suis sur le frontière du présent et du futur
appelle la pensée prophétique
qui ouvre grandes les portes du caravansérail ou de l’église.
Il faudrait l’universelle compréhension
toutes les langues réunies au creuset
et non pas le rendez-vous des termites
ni les confusions digitales
quand dérape l’index sur des chiffres surcodés.
En les prenant, ces mots, pour ce qu’ils valent
et comme il se trouvent.
Un goût salé vient sur la langue.
Le seul qui s’impose
est celui qu’apportent les larmes et le sang.

(Note de lecture), Michel Crépu, Only Rock & Roll, par Isabelle Baladine Howald

 

Rock’n roll attitude

On peut avoir été directeur de la Revue des Deux Mondes, rédacteur en chef de la NRF, avoir écrit sur Bossuet, Chateaubriand, Sainte-Beuve ou Beckett (et là est peut-être la clef, mais oui !), et aimer passionnément les Stones. Qui ? Les Rolling Stones !
Sir Mick Jagger et ses acolytes, Sir Mick anobli par une reine ma foi assez rock’n roll, en tout cas bien plus que ne le laissait supposer sa réserve apparente : « Elle n’écoute pas mais elle est d’accord sur le fond. Mais qu’on la laisse tranquille, la saison de la chasse aux faucons commence. » Le ton est donné, il y a ceux qui comprennent le rock, comme la reine et ceux qui n’y comprennent rien, comme de Gaulle. La clef ? C’est l’humour, Michel Crépu pense que contrairement aux idées reçues, la reine en avait (comme elle rigole quand le prince Philip se déguise en garde !) et de Gaulle non. Ne pas se prendre soi-même au sérieux mais faire le job.

Michel Crépu publie donc, chez Arlea, Only rock & roll, livre assez peu nostalgique (un peu quand même, comment faire autrement…) et très amoureux. Bien sûr il égrène des souvenirs de concert, les partages entre groupies, l’écoute des disques, il vous étourdit de titres et il évoque la mythologie entourant le groupe (sex, drugs…) mais là n’est pas le plus marquant. Il a simplement compris l’essence du groupe, de ce groupe-là, et c’est la même que celle de la poésie, à savoir raconte Michel Crépu : « quand on demande à Mick Jagger son secret, il répond : ‘j‘y vais c’est tout’ ». Même pas peur. Même pas de virgule entre « j’y vais » et « c’est tout ». Il fait donc un bond, un de ses fameux bonds.
La poésie c’est pareil, il faut juste y aller. 

Il y a aussi les coups de griffe de Michel Crépu: aux Beatles en premier, plus sages et surtout à ce pauvre John Lennon rendu zen (sous emprise dirait-on aujourd’hui) par une japonaise un peu spéciale, il y a aussi un petit coup à Barthes le « précautionneux » (même si on l’aimait aussi pour ça…) ou à Crosby, Stills and Nash « avec ses guitares grosses comme des armoires normandes »!!! Dylan aussi, un peu trop biblique…
Il y a quelque chose que les Stones ont compris il y a un moment – en dehors d’avoir eu la chance d’avoir des organismes costauds… – : pour durer, il faut « tout déchaîner sans perdre de vue un certain principe de sagesse qui seule permet la continuité », donc on met son peignoir après le concert et on va dormir. Mick est un cas « Il joue vingt ans dans soixante dix, ce n’est pas si simple à concevoir mais c’est un fait. » Pour suivre les pierres qui roulent et surtout la plus rapide d’entre elles, il faut tenir la route. Le rock dit Michel Crépu « c’est le samedi soir », un samedi soir endiablé, qui vous ébouriffe pour la semaine.
Entre temps Mick cherche sa baguette de pain en Touraine, Keith Richards lit des poèmes anciens, Charlie Watts fait semblant d’être mort, Ron Wood reste le discret, (après Brian Jones, Ian Stewart, Bill Wyman ou Mick Taylor en étoiles filantes). Pour durer, il faut savoir lever le pied.
Ce livre est comme la photo d’une époque, ne serait-ce qu’à travers la langue qui émaille le texte, de nombreux mots anglais qui n’étaient pas encore du tout cette langue vide qui traîne dans la publicité, tellement vide que la traduction figure en dessous, non, tout au contraire une langue qui représentait la liberté et pas la prison langagière commerciale.
Je partage avec Michel Crépu l’amour des oxymores, c’est d’entre deux pierres entrechoquées que jaillit l’étincelle, là que se fait le bond, là qu’on allume le feu, comme disait Johnny. « Pourquoi vont-ils plus vite et pourquoi sommes-nous si lents ? » Toute la question est toujours là : la vitesse, la course, le bond. Comme le Joyce de Finnegan’sWake dit Michel Crépu ! Ou Winnie dans la jarre de Beckett, cet oiseau !

Ce livre est vif, drôle, tout simplement. On se rend compte en le lisant qu’au fond, on ne vieillit pas, c’est juste le corps, mais pour le reste on est toujours prêt à se briser les os dans un rock furieux, à voir Nietzsche ou la Chine en petit dans des fumées bizarres (je parle pour moi) ou à se perdre dans les bras d’un(e) inconnu(e) sur Angie.

Mick dit : « tu me prends pour un artiste mais je ne suis pas un artiste. J’y vais c’est tout. » 
Quand Sir Mick mourra, on allumera le feu.
Et lui sautera par-dessus les flammes.

Isabelle Baladine Howald

Michel Crépu, Only rock & roll, Arlea, collection La rencontre, 2022, 152 p., 16€

 
« Quelque part dans un carnet écrit, j’ai noté : « Tant que les Stones sont là, je ne suis pas vieux. Quelle alchimie rend cela possible ? De quelle transmission s’agit-il ? Je pense à l’air doux de fin juin quand les roadies finissent de régler un éclairage. Ce ne sera pas long maintenant. Tout le monde est là, un roadie revient une dernière fois placer une serviette épongée sur l’ampli du fond, ainsi qu’un jus de fruit me semble-t-il…
…Quel visage, pour les Stones, dans deux cents ans ? Regardés par qui ? Le visible sera-t-il encore là ? Rien n’est moins sûr. Le visible, vous dites ? Rien n’est moins sûr. L’iconographie du rock a été la dernière fête du visage qu’on ait pu voir. »

(Note de lecture), Jacques Vandenschrick, Tant suivre les fuyards, par Grégoire Laurent-Huyghues-Beaufond

Avec son onzième recueil, Jacques Vandenschrick poursuit sa « mélancolie métaphysique » à la tonalités élégiaque assumée (1), dans une langue haute, d'une sévère beauté (2). La note « liminaire » nous prévient (p. 11-16) : les « fuyards » ne sont ni errants ni exilés, sans espoir de retour ni peut-être d'arrivée. Importent avant tout l'état de la fuite et son impérieuse nécessité. Que fuit-on ? Les « maîtres », « son propre mensonge, le rêve sournois d'une mère, la détresse d'une désillusion, la vengeance redoutée d'un frère … » (p. 15). « Les fuyards sont gens de légendes austères » dont « le poème ne peut tout savoir mais non pas ne rien dire » (p. 16) : le recueil en dira donc ce qu'il peut en quarante courtes proses.

On pourrait d'abord les lire comme un récit des étapes et des haltes d'une fuite sans cesse reprise. Sans qu'un nom propre ne soit donné, c'est l'histoire de Jacob-Israël au livre de la Genèse (Gn 27-36) qui inspire le poète. On retrouve en effet bien des éléments de la légende du patriarche, s'éloignant dans l'urgence de la mère et du « frère usurpé » (p. 19), rencontrant la « meneuse de brebis » (p. 20) près d'un puits dont il roule la pierre (p. 21). Rien ne nous est dit des années passées en exil : à nouveau, il fuit le « maître injuste » (p. 28), « accaparé de richesse » (p. 29) non sans emporter la moitié de ses troupeaux, ses filles et ses idoles de bronze (p. 29, 30, 39), et l'on redoute à mesure qu'on s'approche la rancune du frère (p. 48). Entretemps, des « songes » et des « échelles » qui n'auront pas été gravies (p. 40), un combat incompréhensible (p. 33, 34, 39, 37) qui laisse la « vie » sauve et « boiteuse » (p. 51).

On résiste pourtant à ne lire dans ce recueil qu'un récit, encore plus une reprise de la trame biblique à la manière d'un Jean Grosjean. Si la geste de Jacob sert de cadre et de réservoir d'images et d'épisodes, le poème évoque plus sûrement un « nous, enfants de l'énigme » (p. 22), un « on » fréquemment évoqué (pp. 21, 22, 32, 35 …). Ils regardent passer ceux qui fuient avec joie d'abord, quand on croit les entendre dans la nuit : « ce fut en nous une boule de foudre […]. Un homme cherchait vraiment l'eau dans le bruit de fonds du monde » (p. 21). Bientôt, l'interrogation et le doute se font jour : « nul n'arrivait plus à savoir le nom de qui blessa l'autre à la hanche » (p. 22). Et le ton se fait mélancolique : les fuyards sont certes « comme nous » (p. 35), mais on ne peut les suivre, car la « herse est tombée, nous séparant pour toujours » (p. 52). De fait, les « mots sont fermés comme des parois » (p. 32), on ne comprend pas « ces histoires de blés, de brebis, de mensonges ce que l'absence cherchait à dire » (p. 34), les rites sont devenus « trop anciens pour être partagés » (p. 46), et l'on reste dubitatifs devant les « prophètes » qui prétendent savoir, expliquer (p. 53).

Ne restent que des « vieilles paroles » et de « vieilles images », que le poème retrouve ou « remue […] comme des feuilles mortes » (p. 22), ce faisant qu'il invente, proposant par elles une morale pauvre : laisser les questions dont le nombre s'accroît (p. 46, 47, 58, 54, 55, 57) sans réponse certaine ; confier au vent le soin de « disperser » la douleur : « il oubliera sans avouer » , avec ses bourrasques qui « elles aussi sont marranes » – peu ou mal croyantes donc (p. 50). Ce que le vieux récit ne saurait plus faire – fédérer les « incertains » et « absents » (p. 37), à mener vers « l'au-delà des octrois » (p 40), « cet ailleurs soupçonné de n'exister pas et qui jamais ne s'acquiert » (p. 52) – peut-être le poème le fera, en nous laissant à méditer son énigme : « ô vieux compagnons taciturnes, chacun cherche donc en soi sa frontière ? » (p. 58)

Grégoire Laurent-Huyghues-Beaufond

Jacques Vandenschrick, Tant suivre les fuyards, Cheyne, 2022, 58 p., 17€

(1) J. Vandenschrick, « N'importe quel petit rien qui nous était le tout », dans : États provisoires du poème, II, La Comédie de Reims-Cheyne, 2000, p. 65.
(2) Une anthologie de quatre de ses premiers recueils est parue, accompagnée d'une postface de G. Purnelle qui en présente les enjeux et les évolutions formelles : Avec l'écarté et autres poèmes, Espace Nord, 2021, 216 p. (9 €)

Extrait, p. 38

20.

Comme nous, pèlerins de ce qui ne veut rien dire, qui rêvons de ce qui n'existe pas, qui jetons du sel sur les pages, le maître injuste savait-il ce que les larmes acceptent d'avouer ? Les chagrins savent peu ce qu'ils pensent. Ils ressemblent à la neige de février qui parle toujours d'autre chose dans sa douceur d'apocryphe …

(Note de lecture), James Sacré, Une rencontre continuée, par Aubin Gady

« Le temps d’avant continué / Comme à côté » (p.160) : dans Une rencontre continuée se retrouvent en effet des textes, des collaborations artistiques, des amitiés littéraires. Le recueil, dédié à Yvon Vey, rassemble plusieurs dessins de ce dernier et des textes ici en prose, ici en vers libre, dont le plus ancien a été publié pour la première fois en 1972. À la fin du recueil figure aussi une riche « Carte d’identité poétique », très précieuse pour parcourir le recueil autant que pour aborder le reste des œuvres de James Sacré.

Si l’on veut chercher un fil conducteur dans ce texte, c’est peut-être vers le regard qu’il faut se tourner. Dès les premiers poèmes, des images reviennent : un tas de patates ou des cailloux « comme les dents d’un sourire ». Plus loin, les mots de James Sacré accompagnent une série de photographies de Bernard Abadie (non reproduite) : des tissus photographiés à Venise, à Paris, en Pologne, qui rappellent au poète la toile défraîchie d’un chapiteau aux États-Unis ou « Les draps mis dans le vent [qui] mouvementaient le ciel » (p. 63) en Vendée. Poésie du mouvement et en mouvement, donc, qui fait apparaître les correspondances sensibles d’un lieu à un autre tout en affirmant la puissance du réel « là devant » (p. 110).

C’est que James Sacré sait bien raconter l’expérience du monde, au plus près des choses. Voilà qu’on peut sentir dans la main le poids de ce caillou ; on imagine sans peine les brindilles accrochées à ces deux morceaux de dentelle trouvés sur un buisson, « Ni étendus par terre, ni vraiment mis dans le vent » (p. 67). Dans « Comme un tuyau (avec un paysage en regard) », le poète raconte la maison d’Yvon Vey dans la sud de la France avec de longs paragraphes en prose sans autre ponctuation qu’un point final. Presque en un seul souffle, James Sacré décrit une « bouillée de fenouil », l’alkékenge, les murettes, quelques toits, tout cela formant « comme une grammaire agréablement précise » que « le cœur (ou le regard, un poème) parcourt avec plaisir » (p. 42). 

L’oralité du style de James Sacré participe de cette impression de spontanéité : on y retrouve le pronom « ça » (« ça reste »), les élisions, les « à cause que ». Et puis ce sont les mots du patois vendéen, barne, boulites ; et charaban – une voiture à cheval – qui n’est pas mentionné dans les dictionnaires de référence. Lire le poème, le lire peut-être même à voix haute, c’est le faire sonner un peu, encore, ce mot que « tout l’monde abandonne » (p. 167). Dans le recueil, on fait aussi avec James Sacré l’expérience de l’écriture, parfois laborieuse, pénible. La difficulté à avancer devient matière poétique, dans un travail d’une grande réflexivité et plein d’humilité : « Et surtout pardon / De m’être illusionné sans doute ou peut-être d’avoir triché / Pour ce que j’ai cru mettre dedans » (p. 128).

Les derniers poèmes, inédits, suggèrent encore le passage du temps : les visages se défont peu à peu ; par la fenêtre d’une voiture, on aperçoit tout juste « un arbre solitude » ou une chapelle en ruine, envahie par les ronces et une décharge sauvage. Que reste-t-il, à la fin, dans ce recueil ? La puissance d’être du réel, une ténacité des choses, sans doute. Peut-être les photographies rangées dans un tiroir, comme les poèmes dans un livre fermé, se taisent-elles. Mais malgré tout : « On voit, on ne voit plus. Quand même il y a. / Il y a toujours. » (p. 180).


« Il y a parfois dans le paysage un arbre seul
Avec autour des étendues d’herbe
Ou des terres qu’on vient peut-être de labourer.
Plus solitaire encore quand il se trouve perdu
Dans une longue pente cultivée ou pas.

On ne sait pas
S’il est un reste de forêt disparue
Ou s’il a toujours été cette solitude.
Né là par accident ; qu’on a laissé grandir.

Bruit de ce mot, grandir
Qui ferait maintenant briller (tu voudrais le croire)
L’espace écrit de ce poème
Autour d’un arbre qui lui échappe. » (p. 159)


Aubin Gady

James Sacré, Une rencontre continuée, préface de Bernard Chambaz, Le Castor Astral, 2022, 200 p., 9€

(Note de lecture), Séverine Daucourt, Éperdu(e)s, par Yves Boudier.

Audace d’un livre hors du commun : s’il arrive que parfois les musiciens usent de l’anacrouse au seuil d’une composition, commencer un texte écrit comme à la seconde mesure pour laisser entendre l’absence du premier temps et ce qu’il contient d’un implicite polymorphe concentré sur une seule note, ici sous la forme et la récurrence à venir d’un seul mot -quand- bien nommé conjonction, est beaucoup plus rare.
Sans points de suspension la précédant, que conjoint l’anaphore de quand si ce n’est le champ émouvant et insaisissable à proprement parler des gémissements à peine formulables de la souffrance quand elle se dilate pour tenter une expulsion salvatrice, avec le désir de combler la vacance de mots et de museler les crispations aphones d’un corps de douleur ? Une vaine tension, comme ravagée, devant la pâleur de l’espace d’un silence langagier ? On pourrait le croire, si ce n’est le démenti, d’une probité et sincérité marquantes, qu’apporte Séverine Daucourt avec ce livre, véritable plaidoyer pour « le droit à la singularité ». Ce livre conjure et contredit l’inéluctable, comme jamais on ne l’entend, de la perte du vivre et de la douleur psychique, sinon comme rarement en poésie.

Éperdue, en état de sidération, se déroule au fil de ces pages l’expression d’un temps muet sans bornes, hors du regard que l’on pose sur le corps, regard déceptif dont on l’enveloppe ou le dévêt, de bas en haut, de droite et de gauche, en transparence ou matité absolue, comme la figure en rêve ou cauchemar des revenants de soi-même, avatars d’une histoire d’enfant et d’un passé d’étreintes négatives.
Chacun, à son corps et âme défendant, connaît ces mouvements de l’esprit en déshérence de soi, paralysé par la disparition des repères autorisant de choisir entre le proche et le lointain d’un roman familial, quand l’être se vit sans limites, se dissout en lui-même, bousculé par la superposition insupportable d’images au rythme destructeur noyant le champ de vision, les yeux clos, dans l’acharnement d’en finir avec le déroulé agressif et mortifère de la souffrance.
Peine perdue ? Le presque éternel singulier d’un nécessaire pluriel se refuse, car le parcours qui élément par élément, pied à pied, fantasme d’image après fantasme de chair permettrait une patiente rédemption dans la langueur d’une analyse, semble se perdre dans la périphérie concentrique de l’angoisse incarnée. Or, du cœur même de cette semblance archaïque peut surgir, vicariante, une parole de guérison si l’espace se donne à une possible réciprocité dialoguée des affects, un quasi partage qui conduit à l’effacement des tensions grâce à un échange, certes inégal mais réel, entre des êtres en commune approche dans un mouvement analysant par la parole.
 
Le poème est le nom de la folie dans le langage, écrit en dernière page Séverine Daucourt. Cette phrase, il faudrait dire cette pensée, est d’autant plus forte ici placée. Car en effet, cette clef donnée avant de refermer le livre, véritable chemin de foi, est celle qui ouvre les linéaments d’espoir que chacun alors saisit en partage, frère ou sœur en solitude, mais désormais frère ou sœur en vivante émergence d’un avenir.

C’est l’une des grandes vertus de ce texte que ce patient mouvement vers la liberté, déclinant au plus près d’une expérience intime les combats contre les spectres de la folie, défrichant parmi les discours d’enfermement une issue de bon secours pour échapper à la perpétuité du malheur grâce à une implacable mise en relation-confrontation critique des discours qui cadrent la maladie dite mentale, institutionnels autant que civils, en lettres capitales autant que minuscules, rivalisant page à page sans parvenir à combler l’interstice vital dont sourd une parole en poésie, c’est-à-dire en vérité, celle de l’humanité de l’humain. Une vérité pour soi et pour chacun, monpoème, comme l’on dit malangue, au singulier de lalangue.

Quand se pose la question de la fin, Séverine Daucourt identifie, analyse et déplace la frontière entre soi et autrui, histoire de dessiner cet espace-temps qui offre à la parole de l’autre le lieu restauré d’une réparation symbolique ouvrant à la ressaisie intime d’un corps et d’une parole individualisée, donc apte à la remise en dialogue du sujet en société, défait de son double gyrovague, mais toujours errant avec lucidité d’un silence à l’autre, d’une adresse apaisée aux possibles de la rencontre.

Yves Boudier

Séverine Daucourt, Les Éperdu(e)s, LansKine, 2022, 92 p., 15€

On peut lire de substantiels extraits du livre ici (Poezibao)

(Note de lecture), Patrick Laupin, La mort provisoire, par Jean-Claude Leroy

 

 

« Je crois à tout sauf à moi-même » [p. 125]

Pas si souvent que nous avons affaire à une écriture qui ne hoquette ni ne ravale. Ni ne s’enflamme. Le poète n’a pas ici à prouver ses dires, il rapporte une couleur, un instant, un rêve éveillé (ou pas), un accent de connaissance, avec toujours une sage tranquillité qui le tient ferme sur la monture de l’expérience. C’est de cette façon, centré dans la page, le déroulé justifié d’un « état poétique », la transmission d’un mode d’être qui tient de l’accueil inconditionnel, puisque le trouvère ou troubadour ne s’en laisse conter, ayant sa propre parole entre les dents. C’est le constat sans cesse réitéré d’une impossibilité que l’écriture souligne en même temps qu’elle la dément par son geste même.

« […] Scribes aux galbes
uniformes ou fugitives évanescences surgies des
limbes où les causes par lesquelles les humains
s’imaginent être ensemble sont précisément celles
qui font qu’ils s’ignorent. »
[p.21]

Poésie de l’existant, c’est bien sûr chez l’auteur la fidélité à la glaise dont il est fait, le « bien être » vendu si facilement aujourd’hui ne lui sourit qu’à moitié, il se méfie de qui n’est pas trempé dans l’événement d’une vie : « un homme est la somme de son combat et de ses fêlures. » Ni vers ni prose, quelque chose entre les deux, un aveu de chair qui se donne à lire, sans fioriture, entre la nostalgie, peut-être, ou la douleur de constater qu’« on ne sait plus qui parle encore selon son cœur. »

Intitulé La mort provisoire, l’ouvrage pose un regard sur cette attitude étrange qui consiste à écrire tandis que la fin du Livre semble programmée (elle est déjà là, au moins par la place factice que lui donne la communication spectaculaire). Lire et écrire, « il faut s’habituer à ce que tout cela ne serve désormais plus à rien ». On préfère aujourd’hui miser sur une « tautologie du nombre », nous dit Patrick Laupin, et l’on devine malheureusement qu’il voit juste.

Fin lecteur de Mallarmé, il n’oublie pas que l’auteur du Coup de dés n’était pas un pur esprit, loin de là, qu’il a su le montrer, le vivre. De même, Patrick Laupin s’est frotté plus que d’autres aux épines des chemins, sa peau sans doute n’est pas exactement lisse, et son verbe non plus, dans l’équilibre impeccable de ses phrases, il n’émet rien de vaporeux, s’attache plus simplement à un parcours de l’être, dans toute son amplitude. Dans un paysage poétique aujourd’hui extrêmement riche et varié, si quelqu’un pouvait en juger, la voix de Patrick Laupin apparaîtrait comme étant majeure, et son nouveau livre viendrait nous le redire.

Je ne vis plus dans ce monde. Je ne suis plus de
ce monde. Les riches ne comprendront jamais les
pauvres. La belle aubaine dix euros pour vivre
par jour. Ne plus pouvoir payer son loyer. Quand
on est pauvre on est pauvre partout. Je me fais
l’effet de ressembler à ces vieilles gens que je voyais
naguère assis seuls sur un banc. C’est mon tour,
mon heure, c’est ma broderie cousue de fil blanc.
Qu’est-ce qui tient qu’est-ce qui subsiste, qu’est-
ce qui résiste ? Plus rien qu’un banc solitaire où
s’asseoir à regarder passer le monde. Se sentir
humain de loin. Ne plus trop savoir où aller.
[p. 144]

Jean-Claude Leroy

Patrick Laupin, La mort provisoire, éditions La Rumeur libre, 2022, 176 p., 19 €

(Note de lecture), Olivier Domerg et Brigitte Palaggi, La Verte traVersée, par Christian Désagulier

Verde que te quiero verde.
Verde viento. Verdes ramas.
El barco sobre la mar
y el caballo en la montaña.
(Federico Garcia Lorca, Romance Sònambulo)

Comme il y a des musagètes, il y a des paysagètes.

Il faudrait, pour convaincre de lire ce livre, un lecteur qui aurait été enlevé et conduit en voiture les yeux bandés, d’un point a à un point z en vue d’une rançon adressée aux paysages dont il sait d’avance qu’elle sera impossible à verser, puis une fois arrêté le conducteur à la conduite sourcilleuse suspecte à force de vouloir passer inaperçue, un lecteur libéré de son ravisseur auquel on demanderait de reconstituer le parcours d’après les mots, de reparcourir le trajet toutes vitres baissées, carte sur les genoux, de Saint-Flour à Riom-Es-Montagne via Murat dont la crête de la chaîne des Puys trace une ligne d’horizon homothétique à celle de l’écriture au stylobille rouge et bleu du carnet, équipé de ce Poetical Positioning System découvert dans le vide-poche.

Une Verte TraVersée aux 453 dizains disposés 2 par 2 par page en chicanes, en vers décasyllabiques à rimes et demi-rimes riches et pauvres, plates, alternes, proches et lointaines, d’assonances en allitérations, en forme de traversée du vers lyrible au rythme d’un rap champêtre, laquelle performance justifierait à elle seule l’entreprise de cette croisière VERTE.

- À main levée, et j’ajoute à l’air libre :
Le paysage est notre libre-arbitre
Et la fantaisie naît à son contact !
- Permettez, la fantaisie est un acte.
Celui de voir au-delà de la vue,
Ce qui vient du sol ou descend des nues !
- Holà, rangeons cet attirail classique
Pour reprendre la traque bucolique.
« L’herbe est dans le verbe », je le redis,
Mais évitons, au vers, cet incendie !
(p. 42)

C’est ainsi que cet ouvrage parvient à nous concerner, quand le particulier paysageant rejoint le général dépaysant, s’il n’existait pas de ces points d’inflexion du trajet départemental aux noms de villes et de villages à toponymes cantalous, quasi superfétatoires s’ils n’appelaient pas le plus souvent quelques jeux de mots et calembours à poétique escient, à quelques particularités régionales près commandées par la géologie au métamorphisme volcanique, en premier lieu duquel le bâti dont les murs et les toits révèlent la nature des sous-sols, dont les sols humides mais lessivables sont favorables aux pâturages dont on dit que les bovins entretiennent ces prés qui furent jadis, il n’y a pas si longtemps, des forêts noires dont les haies sont désormais les vestiges, matérialisent les parcelles du bocage aux découpes d’affiche de bœuf aux murs des boucheries, à laquelle Olivier Domerg préfère l’image du vitrail.

Le Cantal est de ce vert printanier là, de la couleur au monochromatisme nuancé, ponctué de jaunes pissenlits et de blancs saxifrages, bien qu’ayant fort à parier que les graminées que l’impuissante résolution des yeux amalgament soient également déboussolées par le réchauffement climatique qui tend à rebattre les cartes d’état-major.

Et que veulent ces embardées de style ?
Où mènent-elles ? Où nous mène-t-il ?
Droit dans le paysage, rétorquez-vous,
Avec fougue et on ne sait quel aplomb
(Du Cantal) ! – Épargnez-nous S.V.P,
Vos calembours et vos poussifs allants
(Votre bonne humeur, qui trop exulte,
Est, pour notre époque, une vraie insulte) !
« Droit dans le paysage », insistez-vous,
Et de ce que les hommes en font ou…
(p. 268)

Il y a ce que l’on voit d’ubacs en adrets à travers le pare-brise, ce que la vue offre de vallées aux polygones herbacés, d’épaules arborées de persistants et de décidus, de res extensa forçant les haltes improvisées comme aux parkings imposés, et puis il y a ce que l’on pense res cogitans et retranscrit, fond, forme, mouvement, éclat, couleur, suivant les termes mnémotechniques que l’on apprend dans l’Armée de Terre pour se camoufler, ces crêtes et lacis que révèle l’écriture.

Et, le ravissement, de ces dizains
Ni de ce pays, ne sera banni !
Nous en formulons, ainsi, le dessein ;
Peu nous chaut, pour cela, d’être honni ;
Le clergé moderne nous indiffère !
Nous n’avons que faire des nihilistes ;
Et d’être (ou ne pas être) sur leurs listes !
Nous en appelons à ce qui nous touche,
Et seulement à ça, qui seul importe !
Ces paysages auront donc fait mouche.
(p. 270)

En plus de Pierre Vinclair, à qui l’ouvrage est dédié, Laurent Albarracin et Gil Jouanard qu’il aura pris quelques vers en auto-stop, des photographies de sa passagère Brigitte Palaggi, clichés aux couleurs d’un Cantal diffractant la multiplicité des nuances de vert, lesquelles donnent une contenance à la polysémie du VERT, sont produites dans la dernière partie du livre.

Des clichés nus de légendes qui les rapporteraient à telle partie de La Verte traVersée, vides d’habitants qui les rendent inquiétants de viridité, un Cantal qu’Olivier Domerg nous a fait lire en voiture, laquelle aurait sous le capot, ni un lion, ni une vache, encore moins un âne comme celui de Louis Stevenson dans les proches Cévennes, mais un moteur à inventions de rhétoriqueur décontracté au service d’un Cant :

VERT veille sur nous, veille sur le MONDE.
VERT est cette respiration muette.
VERT est cette « multitude du paître ».
VERT ce qui se propage telle l’onde,
Sur la prairie qu’agite le vent.
VERT, ce souffle, rendu visible, un temps !
VERT la flore, l’unité picturale :
Ô VERT babillard d’une Babel prairiale
Renvoyant le volcan inaugural
Dans l’oubli caressant du végétal.
(p. 272)

Christian Désagulier

Olivier Domerg et Brigitte Palaggi, La Verte traVersée, éditions L’atelier contemporain, 312 p., 2022, 25 €