Poezibao

(Poezibao a reçu) La vitrine poésie du samedi 14 mai 2022, 29 nouveaux livres

 

Les 29 livres et revues reçus par Poezibao ces deux dernières semaines

Boris Wolowiec, Feu, Les Météores, 2022, 14€
Jean-Louis Giovannoni, Bernard Noël, Au présent de tous les temps, correspondances, avant-propos de Nicolas Pesquès, Editions Unes, 2022, 24€
Laurent Albarracin, Manuel de Réisophie pratique, Arfuyen, 2022, 18€
Christian Dotremont, Abrupte fable, édition établie et présentée par Stéphane Massonet, L'atelier contemporain, 2022, 20€
Paul Valéry, Essai sur Stendhal, Fario, 2022, 12€
Etienne Faure, Vol en V, Gallimard, 2022, 16€
Julien Blaine, 2021, coll. Al Dante, Les Presses du Réel, 2022, 30€
Pascal Poyet, J'ai dormi dans votre réputation, traduire mais les Sonnets de Shakespeare, Editions Héros-Limite, Eric Pesty éditeur, 2022, 20€
Jean-René Lassalle, Babel Polyphonie, roughbook 058, 2022,
Christine de Pizan, Cent ballades d'amant de de dame, nouvelle traduction du moyen français de Bertrand Rouziès-Léonardi, Lurlure, 2022, 21€
Louis Lavelle, Règles de la vie quotidienne, Arfuyen, 2022, 15€
André Gide, Ainsi parlait André Gide, dits et maximes de vie choisis et présentés par Gérard Bocholier, Arfuyen, 2022, 14€
Collectif, D'un lyrisme l'autre, la création entre poésie et musique, Laure Gauthier en dialogue, Editions MF, 2022, 24€
Michel Murat, La poésie de l'après guerre, 1945-1960, Editions Corti, 2022, 22€
Alain Joubert, Toyen, petits faits et gestes d'une très grande dame, Ab irato, 2022, 9€
Daniel Kay, Un peigne pour Rembrands et autres fables pour l'œil, Gallimard, 2022, 12,5€
Chantal Dupuy-Dunier, Cronce en corps, monotypes de Michèle Dadolle, Les Lieux-dits, 2022, 18€
Roxana Paez, Impasse de la Ballena, impasse de la Baleine, traduit du castillan par Anne Talvaz, Le Temps des cerises, 2022, 17€
Tristan Felix, Rêve ou crêve, poésie spectraculaire, Tinbad, 2022, 15€
Michel Dunand, Rien plus, Editions Livres du monde, 2022, 15,50€
Myriam Eck, Sans adresse le regard n'a pas de bord, encres de Serge Saunière, Aencrages & co, 2022, 18€
Nathanaëlle Quoirez, Kaïros, Polder 194, 2022, 6€
Claire Cursoux, Une mémoire de lait, Polder 193, 2022, 6€
Helga M. Novak, Silvatica, traduit de l'allemand par Laurent Cassagnau, Éditions Unes, 2022, 19€
Dino Ricci, Nietzsche en Italie traduit de l'italien par Louise Nordese, Totem, 2022, 15€
Denis Arche, Rimbaud images fantomes, Totem, 2022, 15€
Anne-Lise Blanchard, L'horizon patient, Ad Solem, 2022, 17€

Revues !
Les Carnets de l'IMEC, n° 17
Traction-Brabant, n° 98

(Note de lecture) Frédérique Guétat-Liviani, Il ne faudra plus attendre un train, par Jacqueline Merville

Frédérique Guétat-Liviani écrit, dessine, performe, expose et édite des poètes aux Éditions Fidel Anthelme X qu’elle a créés en 1995. Elle a fait les Beaux-Arts à Avignon et des Études Hébraïques de 1992 à 98. Elle vit à Marseille.
Elle vient de publier « il ne faudra plus attendre un train » aux Éditions Lanskine.
Chacun de ses livres est conçu comme une installation. Qu’est-ce que ça veut dire ? Voilà comme je vois cela, mais c’est sans doute restrictif, parcellaire. Les blancs plus ou moins longs qui sont installés sur les pages de ses livres construisent une géométrie, plus même : un territoire. Des blancs qui effacent peut-être quelque chose. Mais quoi ? Ou bien ces blancs signifient l’existence de l’imprononçable, de ce qui serait sans pourtant exister dans la langue, comme un espace métaphysique, une ponctuation du souffle des chercheurs et chercheuses du Dévoilement ? En tout cas, ça fait que les mots sont dans une manière de vertige suspendu. Un équilibre flottant, pas rassurant, et la voix ou le regard qui lit, ressent cette autre respiration qui donne aura énigmatique au poème. Une voix du dedans est là, matériellement, en particulier dans ce livre-ci qui me semble le texte le plus intime de son œuvre. Il suffit d’ailleurs de lire la citation de Nathanaël qui ouvre ce livre : je pense parfois que je ne fais pas suffisamment attention à mon chagrin. Que j’ai trahi quelque chose d’essentiel – de lui et de moi.
Autre repère pour cette installation répondant aussi à la question « Où est le poème ? » que l’autrice pose souvent. Ce livre est fait de trois parties :

si c’était le cas 
(passe) 
il ne faudra plus attendre un train

(passe) est, lui, sans la scansion des blancs sur la page. Ce sont de brèves narrations écrites sans ponctuation en lettres minuscules comme tout le livre.
(passe) s’inscrit donc entre la partie du livre où sa mère est encore vivante, pas à l’ Ehpad, mais avec sa fille dans un appartement évoqué par maints détails, et où viennent nombre de personnes nommées par des initiales. (passe) est suivi de la partie qui donne son titre au livre. Ce sont 26 jours et nuits, où dans cet appartement la mère se meurt, son corps sera emporté dans le carré des indigents. Le deuil des pauvres. Une sépulture est trop coûteuse. La mère aura tout de même son tombeau, son lieu, c’est ce livre.
Il fait attention au chagrin ce livre-là. Ça dit aussi le pouvoir du livre.
Des images, ce livre est très visuel, font écho à la tragédie grecque. Et puis mère et fille parlent une langue et des gestes qui n’appartiennent qu’à elles. Une complicité, pas de plainte, pas de pathos. Le chagrin n’est pas de sanglots, mais du côté d’une fierté, ma, une femme libre, qui n’a rien lâché même dans la maladie, même au seuil de la mort.

Les faits, juste les faits, quelques réminiscences, pas de lyrisme, pas de commentaire. Des faits ordinaires, domestiques, des animaux sont présents. Une poule en particulier est dans l’appartement. On continue à vivre, à manger, à lire, près de la mère qui se meurt. Et ça frappe fort. On pense à l’œuvre de Reznikoff. Aucune fioriture, des relevés de faits, de paroles. Plus on avance dans le livre, plus une incandescence monte, il convoque la présence de la multitude des disparus privés de toute trace, la majorité de l’espèce humaine. Au carré des indigents, appelé maintenant par l’administration la terre commune, il y a juste des trous pour y laisser les mortes et les morts dépourvus d’argent, et pas pour longtemps, ensuite c’est l’ossuaire. L’image des charniers rôde. Là, un charnier qui n’inquiète personne.

Ce n’est pas un livre de deuil ordinaire, qui dit la douleur de l’absence, rien de commun avec le livre de Roland Barthes « journal de deuil ». La Mam. de Barthes n’est pas la ma de Frédérique Guétat-Liviani. Il s’agit d’un autre amour. Ce texte est tendu d’une colère froide, politique, entrelacée avec les paroles d’une mère cisaillant le conforme, le correctement familial. Les traits d’humour de la mère sont rapportés comme des coups de lumière sur ce qui va inévitablement arriver, ce trou dans la terre creusée par une pelleteuse pour les démunis au fin fond d’un cimetière. Ce livre ne sauve pas que la mémoire d’une présence, une femme puissante, rebelle, nous parle avant de mourir. C’est politique la vie, et la venue de la mort aussi si on se veut libre. Ce livre serre le cœur, fort, il va m’habiter longtemps comme un regard nu qu’on ne voulait pas voir, là, tout près.
 
Jacqueline Merville

Frédérique Guétat-Liviani, Il ne faudra plus attendre un train, Editions Lanskine, avril 2022, 80 p., 14€

(Note de lecture), Ainsi parlait Saint-Pol Roux, par Didier Dantal

« Le poète travaille » : chaque soir, Saint-Pol-Roux ne manquait pas d’apposer cette pancarte en forme d’avertissement sur la porte de sa chambre. L’heure était venue de rejoindre le monde incommensurable et merveilleux des rêves, de se laisser inspirer par lui, dans l’espoir de quelque pêche miraculeuse. Aussi le dernier des symbolistes (né à Marseille en 1861, il meurt à Brest en 1940, à près de quatre-vingts ans) pourrait-il faire figure également de premier en date des surréalistes. André Breton en personne, qui lui rendit visite dans son manoir de Camaret (Finistère) pour lui témoigner son admiration, n’alla-t-il pas jusqu’à le reconnaître, dès 1925, comme « le seul authentique précurseur du mouvement dit moderne » ?
Une âme saisissable, c’est ce qu’il voulut toujours être – en même temps qu’un formidable devineur de l’âme d’autrui. Solidaire autant que solitaire. « Le dialogue est l’expression suprême des grandes solitudes », écrit-il. C’est pourquoi il rejeta les dichotomies qui bornent l’esprit par excès de systématisation et l’empêchent d’étendre son royaume : Dieu et l’homme, spirituel et matériel, universel et particulier, folie et sagesse, masculin et féminin, concret et abstrait… Il embrasse toute réalité – y compris celle de l’irréel – depuis un œil unique et central. En cela, « il fut et demeure un maître de vie », comme le souligne Jacques Goorma en ouverture d’un recueil réunissant plus de 400 aphorismes qui reconstituent, pensée après pensée, la personnalité de cet homme-puzzle au rayonnement toujours vivace.
« La folie de l’homme c’est de diviser, de décomposer. Ce qui équivaut à détruire. » Diviser s’oppose à diviniser. « Le poète continue Dieu et la poésie n’est que le renouveau archaïque de la pensée divine. » Ce continuum définit spécifiquement la poésie rouxienne : une poésie (poème de poème, faudrait-il dire) que son tropisme pousse à croître et s’amplifier sans cesse – à s’océaniser. Elle ne s’épanouit qu’aux avant-postes, réceptive à ce qui survient, attentive à ce qui va jaillir, qu’elle met toute son énergie à prophétiser. « L’art véritable est anticipateur », déclare-t-il, affirmant même que « le poète, dans son acceptation la plus entière, n’a pas encore existé ». Aussi invente-t-il un verbe : avenirer. « En vérité, je me sens le contemporain de gens à venir, c’est à eux que je parle, c’est pour eux que je pense. Ils ne sont pas encore vivants, je ne suis pas encore mort. Eux et moi sommes à naître. Ils me mettront au monde et je leur servirai de père. »
Cependant, il arrive qu’une telle clairvoyance puisse sidérer le lecteur : le sens paraît alors échapper à Saint-Pol-Roux – et nous échapper par contrecoup. C’est qu’il ne craint pas de se contredire, n’étant par définition jamais en conflit avec lui-même, emporté dans un processus d’individuation et de déchiffrement qui signe une vie et scelle une destinée. Parfois, on est presque « hors-sens ». Peu importe : l’essentiel avec Saint-Pol-Roux, on l’aura compris, est de ne jamais conclure.

Didier Dantal

Ainsi parlait Saint-Pol-Roux, dits et maximes de vie choisis et présentés par Jacques Goorma, Arfuyen, 2022, 176 p., 14 €

Extraits (choix de la rédaction)

2. Notre original s’étaye de l’originel.

12. L’univers est une catastrophe tranquille, le poète démêle, cherche ce qui respire sous les décombres et le ramène à la surface de la vie.

45. Qui ne s’affirme explorateur de l’Absolu, s’alanguit parmi les momies, n’agite que des marionnettes surannées.

50. La vie est un agrégat de vie, famille compacte et une en sa mosaïcité, et c’est dans ce que l’on suppose le vide que se tiennent les assises de la destinée, cette infiniment petite Infiniment grande.

65. L’homme ordinaire n’est qu’une inertie. Le véritable mouvement est celui des idées éparses dont la passagère alliance en les esprits engendre la pensée. l’action intérieure, voici l’action première, unique ; le reste n’est qu’agitation superficielle ou action seconde en ce sens qu’il n’est que la projection grossière d’une conception.

82. L’art véritable est anticipateur.

91. Le poète est radioactif.

99. La retraite la meilleure est en soi-même.

107. Le génie c’est la bonté.

111. L’imagination c’est l’étincelle entre l’homme et cette perfection attingible de l’homme que l’on nomme Dieu. L’imagination c’est la folle, oui, mais une folle qui nous amène à la sagesse.

127. A parler cru, je ne m’em... jamais seul. Dieu non plus. Nous sommes au moins deux.

146. La trouvaille gît dans la matière, l’invention dans l’infini.

221. La mémoire est un autre berceau.

(Lettre à) Valérie Rouzeau concernant Quand je me deux, par Jean-Pascal Dubost

 


Chère Valérie,

Je sors tout juste de ma (re)lecture de Quand je me deux, et je voudrais te dire premièrement le transport d’émotion que fut cette lecture seconde au cours de laquelle j’ai redécouvert certains poèmes et relu certains autres que je connaîtrais par cœur si je n’étais homme de nulle rétention, ainsi comme ceux de la section « Mes mots des autres » qui sont dignes de figurer dans les anthologies perpétuelles. (D’ailleurs, j’ai moult fois vu et lu, repris ou imités, ces vers « Je fais avec mes mots qui sont les mots des autres/Je vais avec les mots qui sont mes mots des autres ».) Remercions La Table Ronde de remettre ce livre dans le circuit des lecteurs avec cette réédition en format poche.
Cette relecture a rappelé à moi, qui connais un peu ta vie, le caractère autobiographique de tes poèmes ; une autobiographie recyclée et transformée qui fait la matière de ton écriture poétique. Si la poésie est ta vie, ta vie est dans les poèmes.
Dans cette section que j’évoquai pour commencer, tu t’amuses du mot « cœur », en écho au poème du Guetteur mélancolique d’Apollinaire que tu as placé en exergue (« Il me revient quelquefois/Ce refrain moqueur/Si ton cœur cherche un cœur/Ton cœur seul est un cœur/Et je me deux/D’être seul … »), et dont tout ton livre est une variation sachant pertinemment que le mot « cœur » ne bat pas, ni que la poésie prétendue écrite avec le cœur ne la rend plus estimable que les autres, donc, rappelant que « mes amis poètes me disent attention au mot cœur/il ne passe pas partout comme rossignol », tu t’amuses de ce que les poètes moqueurs n’ont pour lui aucune sympathie voire prônent de le bannir du langage poétique, attendu que, et je pressens que tu seras d’accord avec moi, aucun mot ne doit en être banni, ni « cœur » ni « SMS » ni « rossignol » ni « spoiler », puisque la langue est un espace d’accueil peuplée de mots qui ne font que passer et d’autres qui font séjour quand bien même l’usage de certains est irritant, c’est de la vie qui fait battre… le cœur de la langue. Toi-même, qui écoutes les autres parler, tu accueilles l’anglais de jeunes de Pantin, « la pub les grands panneaux avec leurs tropes trop top », par exemple, dans un poème dans lequel tu leur donnes la parole et qui pulse, tu y accueilles l’arabe « kiffer », dans ce poème, et je pourrai citer des exemples à l’envi de tes récupérations, parce que ton écriture est trempée dans la langue de la rue, de tous les jours, pas dans celle des salons d’artistes à tics officiels ; les crocheteurs du Port-au-Foin de Pantin te sont plus proches que les sorbonagres. Ordonc, tu n’as que faire des injonctions de la modernité prohibitive. Tu vas, et tel un Petit Poucet tu sèmes des mots pour retrouver ton chemin dans une vie réelle qui ne t’agrée pas plus que ça, d’où le titre de ton livre. Mais des cailloux transformés, car « La route du berceau à la tombe offre quelques méchants cailloux/Des blessants cailloux par milliers ». Pour ça pour dire, pour finir par quoi je voulais commencer avec le mot « cœur » tant moqué, et pour retomber sur mes pieds après toutes ces pirouettes digressives et semblant de rien, ton cœur (métaphorique) d’humaine bat au diapason du monde des humains ; ça s’entend dans tes poèmes.
J’ai toujours pensé qu’il y avait un aspect pirouette-cacahuète qui compose le rythme de ta poésie, assavoir la comptine en tant comme rythme palimpseste (« pirouette cacahuète » est le refrain d’une comptine). Tes vers sont entêtants comme une comptine, aimablement entêtants bien entendu, usant des caractéristiques du genre (assonances, répétitions, créations ou associations de mots, onomatopées, anthropomorphismes, illogismes), inventant de surcroît ce que j’appelle le « cocasse à l’âne ». Si le rythme comptine compte pour toi, c’est parce qu’il est réminiscence d’une enfance qu’on pourra qualifier d’heureuse, où les jours t’étaient comptines, inventions, innocents. Il y a cette réminiscence-là, dans tes poèmes, celle d’une innocence perdue. D’où que tu te deuilles.
Est-ce pour cela qu’on dit ta poésie être faite pour tous ? Je ne dirai point ça, mais qu’elle parle à beaucoup, nuance.
Ton rythme, si particulier, qu’est-ce qui le constitue pour qu’il batte aussi cordiablement ? Il bat régulièrement dans son irrégularité : tu as l’oreille prosodique classique, mais c’est pour mieux irrégulariser. Presque chaque vers donne le sentiment qu’il est poème à lui seul, un monostiche, qu’il se termine en bout de vers, or qu’il se relance au suivant (un côté pirouette en l’air) ; le vers suspend son vol ; une sorte d’arrêt relancé s’entend. Mais ces relancements, tu les obtiens à l’oreille, par ton goût prononcé pour les effets sonores de toutes sortes et joyeusement ; ce sont tes effets de manche de poète espiègle, en souvenir d’une manche, ainsi appelles-tu ta mère, qui ne se privait pas de jeux de mots (tu rends hommage à tes parents, faiseurs de ton langage : « C’étaient d’étranges créatures pApache ma Manche »). Tous les effets sonores te sont permis pour gambader dans la langue nôtre, et tu bricoles « Un colis beau colis brocoli », tes mots se télescopant avec amour et joyeuseté. Je vais me répéter un chouïa : tu as la rhétorique joyeuse d’une parataxe capricante qui donne des effets de comptines pour adultes, « Poésie galopante » dis-tu toi. Et avec ça, non, tu ne ré-enchantes pas le réel, tu ré-enchantes la langue. Parataxes, troncations, homophonies et homonymies, détournements, et j’en passe et du Gradus, sont tes armes de combat mirifiques pour délurer une grammaire rajeunie en grand-mère qui ne s’en laisse point conter : « ... La grand-mère n’est pas l’ensemble des règles à suivre pour parler et écrire correctement une langue la grand-mère a tout bonnement avalé le loup toutes les grands-mères véritables font cela ».
Ton rythme, remarquais-je en te relisant, a ceci de commun avec Antoine (Emaz), qu’il est constitué essentiellement de mots courts, mono, bi ou trisyllabiques, mais, différemment d’Antoine, c’est par héritage de la langue anglaise (que tu traduis), si bien que tu donnes le sentiment assez unique en poésie française d’une langue accentuelle comme l’anglais et non syllabique comme le français, ceci étant à mon sens le fruit de ta rhétorique sonore particulière. Oui, ta poésie a l’oreille anglaise comme.
Tu évolues dans un royaume de nostalgie (ah, un mot pour les moqueurs), qui n’est nullement la destination d’une marche régressive, mais qui est plutôt préservation d’un paradis perdu bien enfoui dans la mémoire, pas perdu en ce sens où tu le revisites voire reconquiers de haute façon au volant d’une estafette verbale que tu conduis depuis ton enfance et évoques dans le poème éponyme : « L’estafette peugeot il y pleut encore il y peut je l’eau : est-ce ma ta fête » ; nostalgie suggérée dans l’allusion à Du Bellay, « l’estafette peugeot une île en chantier une baleine échouée un petit lyré ». Néanmoins, tu ne te complais pas dans cette nostalgie ; ne séjournes pas durablement en royaume de nostalgie ; n’as pas le ton mélancolieux de la nostalgie ; même si tu te deux, quand t’y penses, au passé. Tu ne te plais pas dans le temps présent, je l’ai dit, ni tu te complais dans celui du passé, mais tes poèmes construisent ton monde non pas futur, mais un monde hors-temps, un monde verbal qui est presque une estafette de Noé dans laquelle tu emmènes quelques frères humains qui te sont chers (tu dédicaces nombreusement tes poèmes) pour fuir ce monde en déclin. Dans le même poème dont tu cites un extrait en exergue, Apollinaire n’écrit-il pas : « Et je me voudrais fuir »…
Parmi ta fratrie humaine, tes amitiés électives, il y a ces poètes auxquels tu réfères plus ou moins implicitement, des poètes dont il reste des restes d’enfance dans la langue, alors, ta langue du poème sort d’un mixeur poétique : tu y mets du Robert Desnos cuit, du Jean-Pierre Verheggen calembourique, du James Sacré contemplatif (et bien d’autres), une touche de variété française, un peu de conte, une bonne dose de comptine, beaucoup de Rouzeau family, et tu obtiens cette langue comme oncques on n’en goût(er)a. C’est pourquoi, si la mort est sérieuse, tu la risibles à ta sauce : « c’est dans l’ordre des choses je vais mourir d’abord » te dit le vieil amant sans futur, toi tu réponds « Tu vas m’ouvrir d’accord ».
Pour finir, il y a une chose qu’on ne doit pas oublier : ta poésie est celle d’une clown triste, qui se sent « trafiquante solitaire » malgré tout ce monde que tu accueilles dans ton estafette verbale ; comme on ne doit pas ne pas voir  cette dernière pirouette que tu exécutes avec les mots des autres pour subtilement boucler la boucle en achevant ton livre avec ceux d’Emily Dickinson dont tu traduis un poème et dont le dernier vers dit : « Et de nouveau je restai – seule – », comme tu as commencé avec ceux d’Apollinaire, dont le dernier vers annonce : « Et je me deux/D’être seul ». Les mots des autres se font écho pour toi.

Alors je te remercie donc bien vivement pour la relecture de ces poèmes écrits en grande pompe verte et rouge, espérant que douleur ne te dure pas plus longtemps que l’éternité.

Jean-Pascal Dubost

Valérie Rouzeau, Quand je me deux, coll. La Petite Vermillon, La Table ronde, 2022, 112 p., 6,70€ (1^ère éd. Le Temps qu’il Fait, 2009)

(Note de lecture), Giorgio Agamben, La folie Hölderlin, chronique d’une vie habitante, par Isabelle Baladine Howald

De la folie comme habitation

La folie Hölderlin, chronique d’une vie habitante est le dernier livre publié par Giorgo Agamben, le grand philosophe italien, chez Armand Colin.
Un livre en enserre ici un autre. D’une part long prologue, d’autre part long épilogue, qui forment un petit essai. Et entre, une chronique des années que Hölderlin a passé chez le menuisier Zimmer, à Tübingen, de 1806 à sa mort. Une vie parfaitement coupée : trente six ans au monde (1770-1806), trente six ans hors du monde (1806-1843). Cette chronique est elle-même en deux parties, sur la page de gauche, un résumé de l’Histoire et de la vie intellectuelle, à droite, les années après années vécues par Hölderlin selon les témoignages, les lettres et les poèmes de Hölderlin, dit « de la folie ».
Agamben s’attache à lire ces écrits ainsi qu’à relater le comportement infiniment ironique de Hölderlin vis-à-vis de ses visiteurs et plus encore vis-à-vis de sa mère, laquelle l’a poussé aux soins psychiatriques très inappropriés dans la sinistre clinique du Dr Autenrieth avant de l’abandonner, sans jamais venir le voir, jamais, dans la famille du menuisier Zimmer. Heureusement cet homme plein de bonté qui n’avait pas lu tous les livres comprenait très bien son poète. Celui-ci, au contact de cette famille aimante, passe des années aussi heureuses et aussi protégées que possible.

Ce qui s’est passé, on ne le saura jamais tout à fait.
Est-ce le départ de chez Suzette Gontard, sa Diotima, puis plus tard la mort de celle-ci ? Est-ce ce voyage en France, à pied, où notamment en Auvergne, où les dieux l‘ont « frappé » ?
Toujours est-il que Hölderlin rentre en Allemagne en 1806 en piteux état, et qu’il fut vite catalogué fou.
La thèse d’Agamben est que cette folie fut d’une certaine façon simulée. Que cette vie après 1806 fut profondément « habitante », c’est-à-dire allant au plus près du « propre », ce propre étant profondément lié non seulement à la Grèce via l’Allemagne (c’était aussi la thèse de Lacoue-Labarthe dont curieusement Agamben ne parle pas) mais surtout au langage même. « … ce que nous avons appris en propre doit être appris au même titre que ce qui nous est étranger », cite Agamben. Il nous faut nous l’approprier.
Tous ses visiteurs sont troublés : Hölderlin a l’air fou, cependant ils ont des doutes, il ne l’est peut-être pas, disant des choses fort sensées. C’est alors moins, sur le plan personnel (même s’il s’agit aussi de cela) le rejet de Hölderlin par la société et la famille que celui de la société et de la famille par Hölderlin qui choisit une autre structure d’ « habitation ».
Agamben fait la très juste comparaison avec Robert Walser, lui aussi entré contre son gré à la clinique psychiatrique d’Herisau, et dont le comportement modèle, exagérément modeste et soumis (le « commis »…) rappelle en effet beaucoup la politesse extrêmement moqueuse observée par Hölderlin, demandant à ses visiteurs qui lui réclament un poème : « Sur quoi voulez vous que j’écrive ? Le printemps ? L’Hiver ? L’esprit du temps ? » et derechef d’écrire quelques vers parfaits, signant ces poèmes de noms (comme Scardanelli pour ne citer que le plus célèbre d’entre eux) dont la signification nous reste énigmatique malgré diverses interprétations, ou écrivant à sa mère « puisque vous me demandez quelle doit être ma conduite à votre égard, je vous répondrai que je tente de rester constamment en bons termes avec vous » ou plus tard «  Contentez-vous de ces quelques mots, votre fils très obéissant Hölderlin. »
Agamben explique : « le problème n’est pas de savoir si Hölderlin était fou ou non. Pas plus que de savoir s’il croyait être ou non être fou. L’essentiel est au fond qu’il ait voulu l’être, ou plutôt que la folie lui soit apparue à un certain moment comme une nécessité, comme quelque chose à laquelle il ne pouvait se soustraire sans lâcheté. »
Mais en même temps peu importe : « sa conception de la folie n’avait rien à voir avec ce que nous entendons par maladie mentale. C’était plutôt quelque chose qu’on pouvait ou qu’on devait habiter … »
Une position personnelle, sociale, éthique et poétique extrêmement solitaire. Il ne ressemble plus à rien ni à personne, sa poésie ne ressemble à aucune autre. Elle emploie une syntaxe qui semble folle alors qu’elle est au plus près du propre du langage. Pour approcher ce propre, il pratique la mimesis, l’imitation (ce que cherche le théâtre… ), au plus près de « l’articulation syntaxique du grec », la mère des langues. Ce qu’on ne peut traduire, la traductibilité qu’il faut s’essayer de traduire, selon Benjamin. C’est ce que Hölderlin s’efforce de penser : « la césure spéculative » chère à Lacoue-Labarthe dans ce texte éponyme majeur. C’est à peu près impossible, sans, en effet, à prendre risque d’exposer à une sorte d’implosion, à la folie. Ce n’est plus la voix philosophique des jeunes années de Hölderlin en compagnie de Hegel et de Schelling assistant aux cours de Fichte… La césure est là aussi, qui troue la philosophie, incapable de penser cela. C’est le balbutiement, le fameux Pallaksch (repris par Celan bien plus tard, Celan lui aussi coupé jusqu’au sui cedere, ce couper de soi, le suicide) dont un jeune visiteur de Hölderlin pense qu’il signifie oui. Ce n’est pas rien, ce oui béant.
L’autre aspect est cette mise à distance étirée au maximum qui fait que de l’aspect tragique que revêtait l’idyllique (forme parfaite d’un accord entre le réel et l’idéal) à cette époque, tragique parce que l’idylle (si chère à Stifter, le maître du genre) est toujours menacée voire mortelle, on aboutit à son inverse : un effet comique. On ne peut imiter l’origine (notamment grecque) puisqu’on ne l’a pas connue, on peut donc juste essayer de la retrouver, c’est forcément impossible. A cela dire : oui.
Même plus de conflit mais un écart tel qu’il n’y a plus de tragédie mais du comique, ce simulacre vrai : « une révision sublime » dit Agamben citant Hölderlin lui-même.
Tout semble indiquer que Hölderlin ait « adopté » ce comportement, qu’il s’y conforme strictement, quitte à en être littéralement désarticulé en lui-même comme dans sa poésie, parce que l’effort et la poursuite constante de cet effort ont quelqu’un chose d’inhumain. Ceci Hölderlin a tenté de l’ « habiter ». Hölderlin s’imite lui-même en singeant littéralement l’extrême courtoisie et tordant la syntaxe jusqu’à la briser, en traduisant Sophocle ou Pindare de façon quasi incompréhensible mais littéralement juste. Agamben dit « il s’affecte » : « le sujet y est un processus un s’affecter soi-même, il est lui-même le lieu de l’événement indiqué par le verbe dans l’acte même d’habiter un certain lieu d’une certaine manière.  L’homme ne peut n’y s’être ni s’avoir, il ne peut que s’habiter. Hölderlin n’a pas choisi la folie, il a accepté de l’habiter. » L’impasse familiale, sociale et poétique était telle qu’il n’a pas eu le choix, mais il a accepté d’habiter cette absence d’issue. C’est là le thème de la « dictée » qui lui était cher : une obéissance infinie. Dire oui.
D’autres disaient : « il se foutait de leurs gueules » ! (Lacoue-Labarthe, en privé, plus prosaïque et secrètement ravi).
Il y a là bien sûr une « passivité », une sorte de mise à disposition de soi, Hölderlin habite ce retrait qui n’est pas un vide. Dans la poésie, il faut maintenir ce fil c’est le langage, ici désarticulé, au plus près de l’impasse.
Bien sûr c’est résumer le livre d’Agamben, bien plus complexe, profond et fin que ne peuvent le laisser paraître ces quelques lignes. L’effort d’Agamben de penser cette énigme infinie, cette époque aussi, de « produire une vie comme figure », est à souligner, qu’il ait raison ou non.
Laissons le mot de la fin à Hölderlin :
« Es geschiet mir nichts » « il ne m’arrive rien ». A l’homme Hölderlin, parti trop loin, non, il n’arrive plus rien, la journée est rythmée par la répétition, les mêmes choses aux mêmes heures, des heures entières. A ce compte, à ce décompte très strict, il peut vivre.
Mais à la poésie, il est arrivé, lui Hölderlin, lui son poème, cet événement, Ereignis, ce surgissement. Oui.
Comme à la fin de l’Ulysse de Joyce, cet autre sublime désarticulé : Oui.

Isabelle Baladine Howald

Giorgio Agamben La folie Hölderlin, chronique d’une vie habitante, trad de l’italien par Jean-Christophe Cavallin, Armand Colin, 217 p., 23 €

(Note de lecture), Danielle Lambert, L'oubli, la mer, par Alexandre Ponsart

Couverture rouge sombre sur laquelle on distingue des traits noirs (fusain ?). Traces d’une épave, traces d’une absence. L’oubli, la mer est le premier ouvrage en prose de Danielle Lambert ; il se construit de plusieurs chapitres qui n’excèdent pas les trois pages. Elle y relate le terrible naufrage du ferry le Sewol au large de la Corée du Sud en 2014 provoquant la mort de deux-cent-cinquante lycéens ainsi que la perte d’un frère « engloutie dans un océan d’oubli trompeur ».

« Ils n’iront pas plus loin qu’ici, à près de quarante mètres de profondeur (...) Chercher des disparus, ne trouver que des corps ». Dès les premières phrases, l’auteur nous confronte à cette catastrophe et se sert des mots pour appuyer l’horreur. Une personne qui a disparu est une personne qui a cessé d’être visible, elle est « sous la mer ». Alors qu’ici, il n’est plus question de « disparus » mais de corps en tant que partie matérielle d’une personne. « On reste disparu tant que la mort n’a pas dit son dernier mot ou plutôt son dernier nom, prénom, date de naissance (...) Nous sommes le 22 avril, eau à douze degrés, profondeur trente mètres, il ne cherche plus de rescapés, mais des corps. »

Danielle Lambert raconte ce naufrage et ses répercussions, jour par jour, heure par heure telle une nécessité d’informer. « Le 16 avril 2014, le ferry sud-coréen le Sewol fait naufrage (...) auparavant, certains d’entre eux se seront filmés. Le bateau penchait, ils en riaient : les haut-parleurs diffusaient des messages de ne pas quitter les cabines. » « La nouvelle est annoncée aux parents et aux familles des passagers comme un simple incident maritime, en même temps qu’est délivrée la fausse information selon laquelle tous les passagers se trouveraient sains et saufs ».
À ce drame, s’ajoute un deuil plus personnel (celui du frère) et il arrive que ces deux évènements se rejoignent pour ne faire plus qu’un. « Petit frère du fond des mers et de la mère, là d’où tu viens, tu t’en retournes. Une mer toute puissante possède ce pouvoir de vie et de mort, de ressac des existences (...) tu pactises avec les lycéens d’Ansan ». L’auteur alterne les passages entre le deuil des familles et le sien afin de mieux appréhender la perte et pour ne pas oublier.

Ici, l’écriture permet d’accoucher d’une autre parole différente de l’officielle. « L’écriture court, fauche les lignes couchées (...) si tu pouvais avoir tout dit de ce qui s’écrit, si tu pouvais continuer à filer au galop dans les forêts du non-dit ». Or, comme l’écrivait Pascal, « nous souhaitons la vérité, et ne trouvons en nous qu’incertitude ». « Sur l’estrade (...) se succèdent militaires, officiels, la présidente elle-même, autant de relais d’une parole si absolument contraire à la vérité. » « Plusieurs dizaines d’années s’avèrent nécessaires avant que n’émerge cette pensée : c’est le sentiment d’impunité qui confronte l’arrogance du pouvoir (...) encouragé par le silence des autres – famille, école, voisins, médias – qui ferme les yeux et les portes sur les sévices. » Une fois encore, les deux drames s’entrecroisent. Une fois la vérité mise en avant, il s’agit d’avancer, d’aller de l’avant et de faire différemment. « La vie ne délivre pas de la mort. Elle s’en encombre. » Le terme n’est pas anodin et signifie que l’absent occupe une place, une présence parfois encombrante. « L’autre n’est plus là, or il est plus présent que jamais, jetant son ombre sur les vivants (...) il prend tout l’espace dans un surcroît d’être démesuré. »

La beauté de ce livre s’explique par son écriture qui se veut dépouillée de tout pathos et sentimentalisme. Elle vient libérer des images brutes, précises tels les ressacs de « la mer ». Danielle Lambert écrit : « être seul, être libre. Être en vie. » Une fois le livre terminé, il me vient à l’esprit cette phrase de Marguerite Duras : « l’écrit ça arrive comme le vent, c’est nu, c’est de l’encre, c’est l’écrit et ça passe comme rien d’autre ne passe dans la vie, rien de plus, sauf elle, la vie. »

Alexandre Ponsart

Danielle Lambert, L’oubli, la mer, Isabelle Sauvage, 2021, 96p, 15€


Extrait :
« Nous sommes six mois après le naufrage. Les adolescents survivants reprennent le chemin du lycée, un autre lycée. En se tenant par la main, en demandant aux journalistes de les laisser reprendre leur vie comme avant.
Soupeser le poids de ce comme. Comme si une armée d’ombres ne les accompagnait pas déjà dans les salles neuves, propres et fraîches du nouvel établissement ?
La baleine de tôles haute comme un immeuble de quatre étages s’est maintenant murée dans une réalité chiffrée, ordonnée, disséquée, âprement jugée. Un premier ministre qui démissionne, puis un deuxième, un directeur d’école qui se pend, des plongeurs-sauveteurs qui se noient, une nation drapée dans son deuil impossible et le procès de ses corruptions.
La prose semble inhospitalière et impuissante à livrer, un tant soit peu, l’onde de choc de l’événement. L’écriture demeure prisonnière des tonnes de coursives, ponts, cabines. »

(Anthologie permanente), Gagan Gill, choix et traductions inédites de Jean-René Lassalle

Tu diras – nuit

tu diras – nuit
et la nuit existera

tu diras – jour
et le jour sera lavé

tu diras - couleur
et tous les papillons
de la terre afflueront voletant

tu penseras – amour
et l’horizon épanouira
un arc-en-ciel occulté

tu subiras – tourment
et dans une autre ville
sa peau à elle
s’embrasera

tu diras - nuit
et la mémoire s’évanouira
tu diras – jour
et la terre se videra

tu seras – silence
et des pierres se fragmenteront
aussi loin que la lune

tu regarderas – sans voir
et elle sera happée
invisible
par la gorge du vent

tu diras – nuit
et une maison
s’élèvera
sur le sable

tu diras – jour
et ce corps altéré par l’âge
se dénudera

Source : Gagan Gill : site Poetry in Translation Centre, Londres 2020, traduction anglaise du hindi par L. Rosenstein et J. Duran. Traduit en français par Jean-René Lassalle avec l’original hindi et la version anglaise.

You will say night

You will say night
and night will be

You will say day
and day will be washed

You will say colour
and all the butterflies
of the earth will come flying

You will think love
and the horizon will open
a hidden rainbow

You will be tormented
and in another city
her skin
will burn

You will say night
and memory will fall away
You will say day
and the earth will be empty

You will be silent
and rocks will explode
as far away as the moon

You will not look at her
and she will be caught
invisible
in the throat of the wind

You will say night
and a house
will rise
in the sand

You will say day
and this body, gnawed by old age
will be naked

Source : Gagan Gill : site Poetry in Translation Centre, Londres 2020, traduction anglaise du hindi par L. Rosenstein et J. Duran.

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Fourmis

Les fourmis avaient perdu le chemin de leur maison

Elles marchaient, traçant des lignes entre notre sommeil et nos corps. Leur farine invisible reste éparpillée dans leur mémoire, dispersée dans quelque lieu et temps distants. Elles continuaient de la chercher d’une extrémité à l’autre de la terre. Elles enfonçaient leurs dents dans chaque chose vive ou morte. Les chagrins de la terre devenaient si légers dans leur errance que les directions commencèrent à osciller dans une confusion. Les pôles allaient changer de place. Mais personne ne savait la tristesse des fourmis

Il y a longtemps peut-être elles étaient des femmes

Source : Gagan Gill : site Poetry in Translation Centre, Londres 2020, original en hindi. Traduit en français par Jean-René Lassalle avec le hindi et la version anglaise.







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Juste un peu d’espoir est requis

juste un peu d’espoir est requis

comme un brillant rayon
de soleil sur la terre

comme le goût d’une pierre mouillée
à l’intérieur de l’eau

comme un poisson qui bondit
sur le sable humide

juste un peu d’espoir est requis

comme une chanson remémorée
dans la gorge d’un muet

comme un soupir léger
bloqué dans la poitrine

comme l’instinct de vivre d’un insecte
cramponné à une vitre

comme une soif noyée
dans le lit de la rivière

juste un peu d’espoir est requis

Source : Gagan Gill : site Poetry in Translation Centre, Londres 2020, original en hindi. Traduit en français par Jean-René Lassalle avec le hindi et la version anglaise.

 

Gagan Gill (गगन गिल) est une poète de l’Inde née en 1959 qui écrit en hindi (parlé par plus de 300 millions de personnes). Elle a été l’éditrice littéraire du Times of India et a voulu réduire son activité professionnelle de journaliste pour avoir plus de temps pour sa poésie. Son livre le plus apprécié en Inde est l’essai Awaak où elle décrit son voyage dans la montagne sacrée Kailash après le décès de son mari le romancier Nirmal Verma. Ses poèmes minimalistes aux lignes courtes laissent un espace aux silences et sont souvent mus par des anaphores doucement rythmiques : injonction, incantation, transe. “Fourmis” fait allusion à une croyance traditionnelle que lorsqu’on gaspille de la farine en la faisant tomber négligemment, on devra la ramasser du sol avec ses propres cils dans la prochaine vie. La pratique bouddhiste de Gagan Gill, avec des perspectives moderne ou féministe, s’applique, au travers de sa mélancolie, à rechercher un apaisement.

Bibliographie selective:
Ek din lautegi larki (Un jour la jeune fille reviendra), 1989
Andhere mem Buddha (Bouddha dans l’obscur), 1996
Yah Akanksha samay nahi (Renoncement au désir), 1998
Thapak thapak dil thapak thapak (Bats et bats, cœur, bats et bats), 2003
Awaak. Kailash Manasarovar – ek antaryatra (Silence. Kailash, voyage intérieur) 2008 (prose)
Main jab tak ayi bahar (Jusqu’à ce que je sois dehors), 2018
This Water, Poetry Translation Center 2020 (anthologie anglais-hindi)

Traduction en français:
Plusieurs poèmes dans le beau numéro spécial sur l‘Inde de la revue Europe (n°864, avril 2001).

Sitographie:
. Dossier sur Gagan Gill dans le site hollandais de poésie internationale avec une introduction et des poèmes en hindi traduits en anglais
. Vidéo d’un festival de littérature à Jaipur au Rajasthan : Gagan Gill est interviewée (dans un anglais à fort accent indien), ensuite entre 14’25 et 25’40 elle lit ses poèmes en hindi.

Choix, traduction et présentation de Jean-René Lassalle

(Note de lecture), Guillaume Condello, Tout est normal, par Antoine Bertot

 

 

Dans son avant-dernier recueil, Ascension, Guillaume Condello gravissait une montagne chinoise sans atteindre l’élévation spirituelle attendue. Malgré le retour au paysage, le monde, dans son versant le plus matériel, se rappelait sans cesse : au sommet, le pied « but[ait] » contre « un bol de nouilles / lyophilisées / bouteilles plastiques sachets troués vides et / d’autres emplis de détritus »¹. En intitulant son recueil Tout est normal, on peut se dire que le poète continue cette réflexion : il n’y aurait pas d’exception à la normalité et à l’ordre moral, économique et politique étouffant.
La dernière section, « Sur la crête », retrouve quelque chose d’Ascension par l’articulation de la profondeur et du trivial : « je cherche / le sentier qui se perd / ou moi / je croise des randonneurs / t-shirts synthétiques / chaussures aux semelles / de plastique / (et tu penses en marchant / aux milliards d’années sous tes pieds / ces corps / lentement transformés / marchant avec toi en silence) ». A l’égarement et à l’errance que la marche en montagne permettrait, se substitue l’impression d’un sentier battu et rebattu par une modernité envahissante et grotesque. Reste cette parenthèse, comme en sourdine : l’hyperprésent est soutenu par un si long passé, discret.

Il s’agit pour Guillaume Condello d’être ainsi « Sur la crête », de trouver le point d’articulation où la langue bascule de la normalité à ce qui l’excède et la tiraille, que ce soit la violence, l’amour, la mémoire. Les poèmes tiennent certes le « registre » des jours, abordant les attentats de Nice, les commentaires et les peurs politiques qui s’en suivent (« sur le boulevard écoute / le monstre à cent bouches / dire ce qu’il faudrait / pour ordonner le chaos de vivre »), le réchauffement climatique, la disparition des espèces (« nous sommes sommés / d’être / responsables de / l’éternité / en voie de disparition ») et des usines (« autour de l’usine / les parkings sont tous vacants / le feu s’est éteint »)… L’enjeu n’est pourtant pas d’être actuel à tout prix, mais de faire entendre comment les voix qui font ces jours se fragmentent.
Des ruptures suggèrent des incertitudes, des craintes, des désirs susceptibles de bousculer cette normalité. Ainsi, « le cours du jour / tombant / dans le suivant / puis / le suivant » est détourné par la résurgence des souvenirs et les « je me souviens » qui ouvrent un autre sillon de temps dans la narration du poème. L’italique aussi étoffe parfois la transcription d’une conversation en laissant pénétrer, parmi les mots échangés, le regard porté par le poète sur les gestes de son interlocuteur : « j’écoute : / comment est-ce qu’on peut être dans cette fraternité, vers moi, couteau pointé il se penche, appuie les mots qu’il me plante dans les yeux / Guillaume, fonction phatique rappel à l’ordre (j’étais sans doute distrait ?), une simple communauté de sentiments comment savoir même si tu ne le dirais peut-être pas comme ça, il pique un morceau de viande en sauce mais je le sais, dans sa bouche bien sûr, ça y est, il mastique (comment fait-il pour parler oui, je le sens, aussi vite et manger sans confondre les fonctions, / mordre / les mots mâchés, / sa bouche est une mécanique mais hypersophistiquée après tout […] ». Il ne s’agit pas de distinguer deux plans (celui de l’écoute et de l’observation critique), mais de les amalgamer en une phrase qui diffracte et réunie les perspectives. De ce nouage, naît le tremblement du sens.
Le recueil permet de cerner une tension : la force qui fait tenir le divers en un tout et la violence en chaque partie. Pour exemple, ce souvenir d’adolescence : « assis dans le couloir / un baladeur CD / sur les oreilles / regardant passer / le temps / et les gens / les cheveux longs / une parka / de l’armée française / récupérée sans doute / le symbole / la subversion / trop courte / aux bras / et au ventre rien / sinon / la rage forant / blanchie / de l’ordre des choses ». Que l’adjectif « trop courte » s’attache à la « parka » ou à la « subversion », que « blanchie » qualifie la « rage » ou cette même « parka », enfin que « la rage » désigne la violence de « l’ordre des choses » ou celle qui s’y oppose, le sens diffère et oscille entre une révolte de pacotille et un soulèvement essentiel. Miroitent le possible et le néant, interstice où la poésie bat. Et l’on pense au motif de la mer, en ce qu’il fait écho au travail du temps et de la langue : « la vague remonte / descend / roule un murmure de galets / à chaque fois / ce que ça peut bien vouloir dire / ou rien ».

Antoine Bertot

Guillaume Condello, Tout est normal, Éditions Lurlure, 2022, 147 p., 19€

¹ Les citations retranscrites dans cette note de lecture ne peuvent reproduire malheureusement l’impression visuelle du poème, créée par les tabulations et les ruptures du texte sur la page.

*

Extraits

PERIPHERIQUES IV

à la fin
            tu es las           oui
de ce monde
qu’ai-je bien pu en voir
au fond
de mon canapé mou
devant l’écran où danse
            macabre
dans le noir
sur les traits effacés
de ma face

les coulures d’un sourire
toutes les couleurs des
drapeaux                     fluo
du réel
non

enchaînés
d’une caverne sans
dehors
            au portail
                        je ne vois rien
sur l’écran noir des fumées
des pneus qui brûlent encore
un peu
les corps enchaînés des ouvriers
au portail
du travail

depuis bientôt cinquante ans   cent ans depuis
            toutes les révolutions des siècles que

la terre n’est plus bleue
oranges écrasées
du lait déversé en
offrande en pleine rue
pour la rage

devant les dieux impuissants
j’appuie sur le bouton éteins
sur la surface de ma rétine
l’image insiste
un monde en miniature

renversé

(p. 109-112)

(Anthologie permanente), Katherine Mansfield (en hommage à Anne Mounic)

Voici que je suis plante, herbe folle

Voici que je suis plante, herbe folle
Pliant, oscillant
Sur une saillie rocheuse
Et me voici longue tige brune
Palpitant comme flamme
Je suis un roseau
Un vieux coquillage qui chante
A jamais de même
Une touffe de laîche
Une pierre très blanche
Un os
Jusqu’à ce que je redevienne
Sable
Que je tournoie, que je m’envole
Balayée par le vent
En bordure de mer
Dans la clarté déclinante…
            Car la clarté décline

Mais si tu devais venir, tu ne dirais pas
Qu’elle ne t’attend pas ici
Qu’elle a oublié. N’avons-nous pas joué
A nous déguiser en herbes folles, pierres et tiges
Tandis que passaient les étranges navires
Sans heurts – solennellement – laissant une boucle d’écume
Qui se déployait doucement autour de notre demeure insulaire
Bulles d’écume laissant sur la pierre
Comme des arcs-en-ciel. Regarde, chéri ! Non, ils sont partis.
Et les voiles blanches se sont fondues dans le ciel en mouvement

1917


Oiseau d’hiver

Mon oiseau, mon chéri
Qui appelles dans le froid de l’après-midi –
Ces notes rondes, ces notes vives,
Chacune d’une telle perfection
D’une secousse issue de l’autre et cependant
Suspendues ensemble en bouquets d’éclairs !
« Des petites fleurs tendres et des fruits mûrs
Voici la récolte
Et vient désormais la saison des noix et des baies,
Des gouttes rondes, vives, étincelantes
Dans l’herbe gelée. »

Juin 1921-janvier 1922

Katherine Mansfield, in revue Europe, n° 1003-1004, nov.-déc. 2012, traduction d’Anne Mounic.
Anne Mounic avait réalisé le dossier Katherine Mansfield de ce numéro, en signant l’introduction et plusieurs articles, en plus de la traduction de poèmes de la poète britannique d’origine néo-zélandaise, née en 1888 et disparue en 1923.

Poèmes choisis pour rendre hommage à Anne Mounic, qui fut très proche de Claude Vigée sur lequel elle a écrit un beau livre, Poésie de Claude Vigée : Danse vers l’abîme et connaissance par jouï-dire et qui est décédée ce 15 février 2022.
Anne Mounic, née en 1955, vivait dans un village d’Ile-de-France, où elle partageait son atelier avec son époux, Guy Braun, lui aussi peintre et graveur (Atelier Guyanne).
Ils ont créé en février 2006 la revue en ligne Temporel (temporel.fr ; comité de rédaction : Claude Vigée, Michèle Duclos, Guy Braun, Anne Mounic). Anne Mounic fut maître de conférences à Paris III Sorbonne nouvelle et était membre de la Robert Graves Society et de la Katherine Mansfield Society. (source)
On peut aussi lire cette émouvante page d’hommage signée Guy Braun et Vincent Mounic-Chalifert

NB, le portrait sur la couverture du n° d’Europe est celui de Clarice Lispector, autre auteur célébrée dans cette livraison et non pas Katherine Mansfield.
Source de la photo de Katherine Mansfield, le site Temporel.